WILLEM DE KOONING HÄIKÄISEE EDELLEEN TAIDE JA KULTTUURI | SMITHSONIAN - ARTIKKELIT, TAIDE JA KULTTUURI, TAIDE JA TAITEILIJAT

Vuonna 1926 Willem de Kooning, rahaton, 22-vuotias kaupallinen taiteilija Alankomaista, sijoittui rahtialukseen Amerikkaan. Hänellä ei ollut paperia eikä hän puhunut englantia. Saatuaan aluksensa telakoituna Newport Newsissa, Virginiassa, hän matkusti pohjoiseen hollantilaisten ystäviensä kanssa kohti New York Cityä. Aluksi hän sai uuden maailman pettymään. ”Se mitä näin oli eräänlainen Hollanti”, hän muisteli 1960-luvulla. ”Lowlands. Mitä helvettiä halusin mennä Amerikkaan? ”Muutama päivä myöhemmin, kun de Kooning kulki lautta- ja junaterminaalin kautta Hobokenissa, New Jerseyssä, hän huomasi tiskillä olevan miehen, joka kaatoi kahvia lähiliikenteelle työntämällä sitä kuppiriviin. "Hän vain kaatoi nopeasti täyttääkseen sen, riippumatta siitä, mikä valuu ulos, ja sanoin:" Poika, se on Amerikka. ""

Tästä tarinasta

[×] SULJE

Willem de Kooningin teos, joka on tässä esitetty Ruth's Zowie, 1957, luottaa jatkuvaan keksintöön: "Sinun on muututtava", taiteilija sanoi usein, "pysyä samana". (Ovitz-perhekokoelma, Los Angeles © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

1950- ja 60-luvuilla esiintyneiden taiteilijoiden joukossa de Kooning, joka esitettiin täällä vuonna 1953, uhmasi luokittelua. (Tony Vaccaro / akg-kuvat)

De Kooning opiskeli Rotterdamin Kuvataideakatemiassa. "Klassinen koulutus vapauttaa sinut tekemään tämän", hän sanoisi myöhemmin abstraktista työstään. Kuvassa on hänen vuoden 1917 asetelma, valmistunut 13-vuotiaana. (Yksityiskokoelma / © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Manhattanilla de Kooning vedettiin yhdessä Arshile Gorkin kanssa vuonna 1937 modernistisiin maalareihin. (Oliver Baker, valokuvaaja. Rudi Blesh -lehdet, American Art Archives, Smithsonian Institution)

1940-luvulle mennessä de Kooning oli aloittanut naishahmotutkimuksen, joka oli osittain innoittamana Elaine Friedistä, jonka kanssa hän oli vuonna 1943. (John Jonas Gruen / Hulton-arkisto / Getty Images)

Toisen maailmansodan jälkeen de Kooningin avantgardistinen ympyrä lähestyi julkkisasemaa. Kuvassa on ryhmä, elämässä, 1950; de Kooning on takareunassa, kaukana vasemmalla. (Nina Leen / Aika-elämäkuvat / Getty-kuvat)

Figuraaliset elementit välittävät epäselvän tilan ullakolla 1949, yksi sarjasta de Kooningin sodanjälkeisiä mustavalkoisia sävellyksiä. Tutkija Richard Shiff sanoo, että jopa taiteilijan abstraktimmat teokset "alkoivat usein viittauksella ihmishahmoon". (Metropolitan Museum of Art, NY / © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Jopa kun taidemaailma juhli abstraktioitaan, de Kooning keskitti energiansa naishahmoon, työskenteleen kaksi vuotta Woman I: ssä, 1950-52. "Kauneus", taiteilija sanoi, "muuttuu minulle rajuksi. Pidän groteskista. Se on riemukas." (Nykytaiteen museo, NY / © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

De Kooning lähti kaupungista vuonna 1963 Springs, Long Islandille. Tässä näkyy de Kooning 81-vuotiaana hänen studiossaan vuonna 1985. (© 2011 Willem de Kooning -säätiö / Artists Rights Society (ARS), New York)

De Kooningin myöhäinen työ sai inspiraation merestä. Tässä näkyy Clamdigger, 1972, joka herättää rantarehuja . (© Willem de Kooning, peruutettavissa oleva kiinteistörahasto / Adagp - Kuva: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Kenen nimen kirjoitti vedessä 1975, kirjoittanut de Kooning ehdottaa valtameren pintoja. (Solomon R. Guggenheim -museo, NY / © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Istuva mies, 1939, Willem de Kooning. (Taiteilijan lahja Joseph H. Hirshhorn -säätiön kautta, 1972 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Sydänten kuningatar, 1943-1946, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhornin säätiön lahja, 1966 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Erikoistoimitus, 1946, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhornin säätiön lahja, 1966 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Nainen / Verso: Nimetön, 1948, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhornin säätiön lahja, 1966 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Nimetön III, 1981, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhornin osittainen lahja vaihdolla, ja museo-osto, 1982 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Tutkimus teokselle "Nainen VI", 1952, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhornin lahja, 1966 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Istuva nainen penkillä, 1972 / näyttelijä 1976, Willem de Kooning. (Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981 / Hirshhornin museo ja veistospuutarha; © 2011 Willem de Kooning -säätiö / Taiteilijaoikeusyhdistys (ARS), New York)

Kuvagalleria

Asiaan liittyvä sisältö

Miksi Elaine de Kooning uhrasi oman upean uransa tunnetuimmalle aviomiehelleen
Clyfford Stillin ylevä taide
Wayne Thiebaud ei ole pop-taiteilija

Se oli myös de Kooning. New Yorkin 1940-luvun lopulla ja 50-luvun alkupuolella ilmestyneistä maalareista - heidän joukossaan Jackson Pollock, Mark Rothko ja Barnett Newman - vuonna 1997 kuolleen de Kooningin vaikeinta on vangita: Hän on liian elintärkeä, levoton, jazzy, töykeä ja arvaamaton sopimaan mihin tahansa tiettyyn kuppiin. Hän ylitti monet taiteen rajat, vuotaen abstraktion ja muodonmuutoksen välillä 50 vuoden aikana - ilmaiseen monenlaisia mielialoja - ilman huolta joko konservatiivisen tai radikaalin maun yleissopimuksista. Sodanjälkeisen amerikkalaisen taiteen kehitystä kroonisen taidehistorioitsijan Irving Sandlerin mukaan de Kooning pystyi jatkamaan länsimaalauksen suurta perinnettä ja siirtämään sitä uuteen suuntaan luomalla avantgarde-tyylin, joka puhui aikamme. ”

Viime kuussa Modernin taiteen museossa (MoMA) avattu de Kooningin retrospektiivi - joka oli ensin omistettu taiteilijan seitsemän vuosikymmenen uralle - esittelee rikkaan, vivakatun kuvan suuresta amerikkalaisesta maalariista. Näyttelyn järjestäneen kuraattorin emeritus John Elderfieldin pyrkimys oli epätavallisen henkilökohtainen: de Kooningin taiteen houkutus auttoi Englannissa syntyneen Elderfieldin asuttamaan Amerikkaan. Hän väittää, että de Kooning on omaperäisyysmaalari, joka keksi uudenlaisen nykyaikaisen kuvatilan, epäselvyyden. De Kooning pyrki säilyttämään sekä perinteisen hahmomaalauksen veistokselliset muodot että ”pullistuneet, kiertyvät” tasot, kuten Elderfield ehdottaa, ja modernistisen taiteen matala kuvataso, joka löytyy esimerkiksi kubistisista teoksista, esimerkiksi Picasso ja Braque. De Kooning kehitti useita erilaisia ratkaisuja tähän visuaaliseen kysymykseen, ja hänestä tuli taiteilija, joka ei koskaan tuntunut pysäyttävän liikkumista ja tutkimusta. Hän oli omassa arvoituksellisessa lauselauseessaan ”liukas vilkaisu”.

50-luvulla De Kooningista tuli hänen päivänsa vaikutusvaltaisin maalari. "Hän oli taiteilijataiteilija", sanoo Smithsonianin Hirshhorn-museon johtaja Richard Koshalek, jolla on yksi suurimmista de Kooningin teosten kokoelmista. ”Hänellä oli suuri vaikutus hyvin monenlaisiin taiteilijoihin.” Brice Marden, maalari, jota käsiteltiin vuoden 2006 MoMA-takautuvasti, on yhtä mieltä: “Sinut kasvatettiin de Kooningilla. Hän oli mestari. Hän oli opettaja. ”Monille hän oli myös romanttinen hahmo, jolla oli elokuvanäyttelijä ja eksistentiaalinen vitsi, kun hän joi Pollockin kanssa Greenwichin kylässä sijaitsevassa Cedar-tavernassa ja siirtyi rakkaussuhteesta rakkaussuhteeseen.

Menestyksestään huolimatta de Kooning maksoi lopulta hinnan haluamatta seurata vallitsevia suuntauksia. Kriitikot ja taidehistorioitsijat saivat hänen elämänsä aikana yhä enemmän huomiota hänen jatkuvasti muuttuvaan taiteeseensa - etenkin hänen räikeästä naisten kuvauksestaan. Elderfieldin mukaan se ei sopinut helposti niihin teoksiin, joiden ajatellaan ylläpitävän tuttua modernistista historiaa yhä hienostuneemmasta abstraktiosta. ”MoMA: n itse kuraattorit pyrkivät pitämään de Kooningia vuoden 1950 jälkeen taantuvana maalarena, kuten museon todistus oma kokoelma, joka on huomattavasti vahvempi Pollockissa, Rothkossa ja Newmanissa kuin de Kooningissa.

Riita on päättynyt: Nykyinen retrospektiivi muuttaa. De Kooningin tuotevalikoima näyttää nyt vahvuudelta, ja viettelevä tyyli - ”viettelevä” on sopiva sana hänen harjahalvaukselleen on täynnä kosketusta - tarjoaa maalauksellisen iloksen, jota harvoin löytyy nykypäivän taiteesta.

De Kooning kasvoi lähellä satamaa kovassa työväenluokassa Rotterdamissa. Hän näki harvoin isänsä Leendertin - hänen vanhempansa eronneen, kun hän oli pieni poika - ja hänen hallitseva äitinsä, Cornelia, joka hoiti peräkkäin baareja, muutti jatkuvasti perheensä etsimään halvempaa asuntoa. Hän lyö hänet säännöllisesti. Rahaa oli vähän. Hänestä tuli 12-vuotiaana oppipoika Gidding and Sonsissa, joka on tyylikäs taiteilijoiden ja käsityöläisten yritys muodikkaan Rotterdamin sydämessä, joka on erikoistunut suunnitteluun ja sisustamiseen. Pian hän kiinnitti yrityksen omistajat huomion, joka kehotti häntä järjestämään tunteja työn jälkeen kuusi yötä viikossa kaupungin Kuvataideakatemiassa.

Seurauksena de Kooning sai vahvan perustan sekä kaupallisessa suunnittelussa että korkean taiteen klassisissa periaatteissa. Hän oli varhainen; MoMA: n retrospektiiviin sisältyy huomattava asetelma (1917), jonka hän teki akatemiassa 13-vuotiaana. Hänen oli kuitenkin tuettava itseään. 16-vuotiaana de Kooning löysi itsensä, kiertäen Rotterdamin boheemisilla reunoilla ja poimien töitä täällä. Hän aloitti myös fantasioinnin Amerikasta, jota monet Euroopassa pitivät pilvenpiirtäjien, elokuvatähteiden ja helpon rahan myyttisenä maana - mutta ei kenties taiteena. Kun hän kokosi rahtikoneelle, de Kooning muisteli myöhemmin, hän ei uskonut, että Amerikassa olisi ollut vakavia taiteilijoita.

Ensimmäisinä vuosina Amerikassa, alun perin Hobokenissa, New Jerseyssä ja sitten New Yorkissa, hän asui paljon kuin Rotterdamissa. Hän löysi töitä kaupallisena taiteilijana ja maalasi satunnaisesti vapaa-ajallaan. Hän huomasi, että Amerikassa oli tosiasiallisesti vakavia taiteilijoita, joista monet tekivät myös kaupallisia töitä selviytyäkseen. Hän alkoi viettää aikansa kahviloissa, joita he pitivät Chelseassa ja Greenwich Villagessa, puhuessaan yön yli nikkelikuppikahvien yli. Lähes kaikki, jotka hän tiesi olevansa köyhiä; maalauksen myynti oli harvinaista. Tässä ympäristössä tiettyjen taiteilijoiden pysyvä sitoutuminen - ennen kaikkea Arshile Gorky omistautuminen modernistisen maalauksen perinteille - vaikutti voimakkaasti de Kooningiin.

Armenialaisista kotoisin olevista maahanmuuttajista Gorkylla ei ollut kärsivällisyyttä niille, jotka eivät sitoutuneet varauksetta taiteeseen. Hänellä ei ollut myös aikaa niille, joita hän piti kunnianhimoisinaan maakunnallisina tai vähäisinä, kuten sellaisille, jotka romanisoivat maaseudun Amerikkaa tai hyökkäsivät sosiaaliseen epäoikeudenmukaisuuteen. (”Proletariaattitaide”, Gorky sanoi, “on köyhä taide köyhille ihmisille.”) Jos olisit vakavissasi, Gorky katsoi, että opisit modernistien mestareiden, kuten Picasso, Matisse ja Miró, töitä ja olet pyrkinyt tasaamaan tai paremmin heidän saavutus. Nykyajan miehet kuvailivat Gorkyn Unionin aukiolla sijaitsevaa studiota eräänlaisena temppeliksi taiteelle. "Union Union Square 36: n suuri jännitys", sanoi Gorkyn opiskelija ja ystävä Ethel Schwabacher, "tunsi olevansa tunteena siitä, että se teki siellä tehtyä työtä, keskeneräistä työtä, päivä ja yö, pitkien intohimoisten, kurinalaisten ja omistautuneiden vuosien ajan. vaivaa.”

Gorkyn esimerkki yhdessä liittovaltion taideprojektin perustamisen kanssa, joka maksoi taiteilijoille masennon aikana elantonsa, johti lopulta de Kooningin sitoutumaan kokopäiväiseksi taiteilijaksi. 30-luvulla Gorkysta ja de Kooningista tuli erottamattomia; Heidän jatkuvat keskustelujaan taiteesta auttoivat jokaista kehittymään päämaalareiksi. De Kooning, joka pyrkii luomaan tuoretta kuvitteellista taidetta, maalasi usein wania, melankolisia muotokuvia miehistä ja harvemmin naisista. Hän työskenteli ja muokkasi kuvia yrittäen sovittaa klassisen koulutuksensa modernistisiin vakaumuksiinsa. Hän saattaa sallia kuvan poistua studiosta, jos ystävä osti sen, koska hänellä oli kroonisesti vähän rahaa, mutta hän hylkäsi suurimman osan kankaistaan inhoa.

30-luvun lopulla de Kooning tapasi nuoren taideopiskelijan nimeltä Elaine Fried. He menisivät naimisiin vuonna 1943. Fried ei ollut vain kaunis, hänen elinvoimansa vastasi de Kooningin varantoa. Älä koskaan kiristä ylellisyyttä, hän halusi sanoa, että välttämättömyydet hoitavat itsensä. Yksi hänen ystävistään, taiteilija Hedda Sterne, kuvasi häntä "uskallukseksi". "Hän uskoi eleisiin ilman katumusta ja iloitsi omasta spontaanisuudestaan ja runsaudestaan", Sterne kertoi. ”Olin hauskaa”, Elaine muistelee myöhemmin. ”Tarkoitan, hauskaa.” Hän piti myös de Kooningia tärkeänä taiteilijana - hyvissä ajoin ennen kuin hänestä tuli -, joka on saattanut vahvistaa hänen luottamustaan.

Naishahmon tuore tunne, epäilemättä Elainen inspiroima, alkoi kulkea de Kooningin taiteen kautta. Väri kirkastui. Rajat katosivat. Hän ei enää tuntunut rajoittavan hänen klassisen koulutuksensa: maalauksissa olevat naiset uhkasivat nyt puhkeaa ja hajota; Kuvion erottaminen maasta tuli paikoin vaikeaa. Taiteilija oli alkanut hallita epäselvää tilaa. Näytti luonnolliselta, että de Kooning, joka vaistomaisesti valitsi liikkumisen hiljaisuuteen ja joka ei ajatellut hahmon totuutta olevan vain sen pinnan ulkonäössä, alkaisi siirtyä jatkumalla esitysmuodosta abstraktiin. Jopa hänen abstraktimmansa kuvansa, kuten de Kooning -tutkija Richard Shiff on todennut, "joko aloitti viittauksella ihmishahmoon tai sisällytti muuttuvan elementin matkan varrella".

De Kooningin siirtymistä 40-luvun lopulla kohti vähemmän realistista hahmon kuvaamista on saattanut osaltaan saada aikaan useiden Pariisissa juhlittujen taiteilijoiden, etenkin André Bretonin ja hänen ympyränsä saapuminen kaupunkiin aikaisemmin vuosikymmenen aikana. Surrealistit, kaikki sodan pakolaiset. De Kooning ei ollut yleensä surrealismin fani, mutta liikkeen painottaminen tajuttomaan mieleen, uniin ja sisäiseen elämään olisi vahvistanut hänen omaa kärsimättömyyttään puhtaasti realistisella maailmankuvalla. Surrealistit ja heidän suojelijansa, seuralainen Peggy Guggenheim tekivät suuren roiskeita New Yorkissa. Heidän läsnäolonsa inspiroivat kunnianhimoa amerikkalaisissa taiteilijoissa.

Silti de Kooning pysyi marginaalilla. Liittovaltion taideprojektia ei enää ollut, ja modernin amerikkalaisen taiteen markkinoilla ei ollut juurikaan tai ei ollenkaan. Juuri tällä pimeällä ajanjaksolla de Kooning aloitti suuren sarjansa mustavalkoisia abstraktioita. Hän ja hänen läheisen ystävänsä, maalari Franz Kline, koska heillä ei ollut varaa kalliisiin pigmentteihin, menivät kuuluisana päivänä eräänä päivänä ostamaan edullisia mustavalkoisia emaliä sisältäviä kotimaalia ja (legendan mukaan) paholaisen huolenpidon kanssa aloittivat merkittävien töiden tekemisen. Se ei ollut tietysti niin yksinkertaista. De Kooning oli työskennellyt monta vuotta saavuttaakseen tämän hetken; ja tavallaan hetki löysi hänet. Toisen maailmansodan kauhu ja kertomukset Euroopasta tulevasta holokaustista loivat uuden käsityksen de Kooningin ja joidenkin yhdysvaltalaisten taiteilijoiden keskuudessa suuresta, joskin synkkästä, metafysikaalisesta laajuudesta. (Heillä oli myös silmissään MoMAssa Picasson voimakas, yksivärinen Guernica vuonna 1937, hänen vastauksensa espanjalaisen kaupungin fasistisiin pommituksiin.) Toisin kuin eurooppalaiset aikakautensa, amerikkalaiset eivät asuneet sodan raunioiden joukossa, ja he tuli kulttuurista, joka juhlii Whitmanesque-rajattomuutta. De Kooning, jonka syntymäkaupunki oli sotien aikana murskattu raunioiksi, oli sekä eurooppalainen että amerikkalainen, ja hänellä oli hyvät mahdollisuudet tehdä maalauksia tummasta loistosta. Vuonna 1948, kun hän oli lähes 44-vuotias, hän näytti ns. Mustansa ja valkoisiaan pienessä ja vähän vieraillussa Egan-galleriassa. Se oli hänen ensimmäinen sooloshow. Muutamia kuvia myyty, mutta taiteilijat ja kriitikot ovat huomanneet ne ja ihaillut niitä laajalti.

Se oli myös 1940-luvun lopulla, kun Jackson Pollock aloitti legendaaristen ”tiputus” abstraktioidensa, jotka hän maalasi studionsa lattialle, kudostaen rytmisiä maalivirroksia kankaan poikki. Pollockin maalauksilla, myös pääosin mustalla ja valkoisella, oli hyvin erilainen luonne kuin de Kooningin maalauksilla. Vaikka yleisesti abstrakti, de Kooningin oksaiset kuvat pysyivät täynnä ihmeellisiä ihmisen osia ja eleitä; Pollock on välittänyt tunteen vapautumisesta maailmalta. De Kooningin mustavalkoissarjan kahden suurimman kuvan otsikot, Attic and Excavation, viittaavat siihen, että taiteilija ei aio unohtaa sitä, mitä maailma haudataan tai sivuutetaan. (De Kooning nauttii epäilemättä nimikkeiden muuttuvista vaikutuksista. Esimerkiksi ullakko voi viitata todelliseen ullakkoon, ehdottaa taivaan korkeuksia tai muistaa muinaista Kreikkaa.) Jokainen maalaus on täynnä figuratiivista tapahtumaa - käännös olkapäähän täällä, lantion turvotus siellä, mutta tietty ruumiin ei ole havaittavissa kummassakaan. "Jopa abstrakteilla muodoilla", de Kooning sanoi, "on oltava samankaltaisia."

De Kooning valmisti kaivostyön, hänen viimeisen ja suurimman kuvansa sarjassa, vuonna 1950. MoMA: n johtaja Alfred Barr valitsi sitten maalauksen yhdessä Pollockin, Gorkyn ja John Marinin teosten kanssa edustamaan Yhdysvaltoja Venetsian biennaalissa. —Merkitse kunniaa kaikille neljälle amerikkalaiselle modernistille. Toimittajat alkoivat huomata. Pollock oli valokuva, joka levisi Life- lehdessä vuonna 1949. Julkkisvalo alkoi keskittyä siihen, mikä oli ollut epämääräistä amerikkalaisen kulttuurin nurkkaa. Eurooppalaisille mestareille erikoistunut Sidney Janis -galleria alkoi nyt nostaa de Kooningia ja muita amerikkalaisia taiteilijoita Picasson tai Mondrianin arvoisina seuraajina. Kriitikot, kuraattorit ja taidekauppiaat alkoivat yhä enemmän väittää, että taiteen suhteen New York oli uusi Pariisi.

50-luvun alkupuolelle mennessä De Kooning oli tunnettuja maalareita, jotka saivat abstraktia tyyliä. Suurin osa hänen aikalaisistaan uskoi jatkavansa tämän tyylin maalausten tuotantoa. Mutta yhdessä amerikkalaisen taiteen historian vastakkaisimmista ja itsenäisimmistä teoista hän luopui mustavalkoisista abstraktioistaan keskittyäkseen jälleen kerran naishahmoon. Hän kamppaili yhden kankaan yli melkein kaksi vuotta, hänen ystävänsä olivat yhä enemmän huolissaan hänen hyvinvoinnistaan, kun hän jatkuvasti tarkisti ja kaavitti kuvaa. Hän lopulta jätti maalauksen epätoivoon. Vain vaikutusvaltaisen taidehistorioitsijan Meyer Schapiron puhe, joka pyysi sitä näkemään studiovierailun aikana, vakuutti de Kooningin hyökkäämään kankaalle jälleen kerran - ja päättelemään, että hän oli lopettanut Woman I: n (1950-52). Sitten hän valmisti nopeasti peräkkäin useita lisää Naisten maalauksia.

De Kooning kuvaili Naista I virnistäväksi jumalattareksi - "pikemminkin kuin Mesopotamian epäjumalia", hän sanoi, joka "seisoo aina suorana katsomalla taivaalle tällä hymyllä, kuten he vain hämmästyivät luonnon voimista ... ei Hänen jumalattarensa olivat monimutkaisia: heti pelottavia ja hilpeitä, muinaisia ja nykyaikaisia. Jotkut kriitikot vertasivat niitä Hollywoodin bimboihin; toiset pitivät heitä misogynistin työnä. Kuvanveistäjä Isamu Noguchi, de Kooningin ystävä, tunnusti heidän ambivalenssinsa: "Mietin, vihaako hän todella naisia", hän sanoi. ”Ehkä hän rakastaa heitä liikaa.” Suuri osa komplikaatioista johtuu epävakaasta sekoituksesta vulgaarisuutta ja hienostuneisuutta de Kooningin siveltimessä. ”Kauneudesta”, minua sanoi de Kooning kerran, tulee minusta vilkasta. Pidän groteskista. Se on iloisempaa. ”

Ei ole yllättävää, että de Kooning epäili, että hänen viimeisimmän teoksensa vuonna 1953 osoittama näyttely onnistuisi, ja tuolloin johtava taidekriitikko Clement Greenberg ajatteli de Kooningin kääntyneen väärään suuntaan Woman- sarjan kanssa. Paljon De Kooningin yllätyksenä, näyttely oli kuitenkin menestys, ei vain useiden taiteilijoiden keskuudessa, vaan myös yhä suuremmassa määrin yleisön keskuudessa, joka haluaa omaksua amerikkalaisen maalauksen.

De Kooning huomasi yhtäkkiä tähden - ensimmäisen julkkiksen, kiistatta, modernin amerikkalaisen taiteen maailmassa. Ainoa 50-luvun alkupuolen taidemaalari, jolla oli vastaava tai suurempi painoarvo, oli Jackson Pollock. Mutta Pollock, joka sitten joutui edistyneeseen alkoholismiin, asui pääasiassa Springsissä (kylä lähellä East Hamptonia Long Islandilla) ja häntä nähtiin harvoin Manhattanilla. Valonheitin keskittyi siis de Kooningiin, josta tuli vilkkaan kohtauksen keskipiste. Monet pitivät häntä vastustamattomana, sillä hänen hollantilainen merimies näyttää, omaperäinen rikki englanti ja viehättävä aksentti. Hän rakasti amerikkalaista slängia. Hän kutsui kuvaa "loistavaksi" tai ystävää "kuumaksi perunaksi".

Tässä kasvihuonemaailmassa de Kooningilla oli monia sotkuisia rakkaussuhteita, samoin kuin Elaine. (He erottuivat 1950-luvulla, mutta eivät koskaan eronneet.) De Kooningin suhde kaupallisen taiteilijan Joan Wardin kanssa synnytti vuonna 1956 hänen ainoan lapsen Lisan, jolle hän oli aina omistautunut - vaikka hänestä ei koskaan tullutkaan paljon päivittäisestä isästä. Hänellä oli myös pitkä suhde Ruth Kligmaniin, joka oli ollut Pollockin tyttöystävä ja joka selvisi Pollockin tappaneen vuonna 1956 tapahtuneesta auto-onnettomuudesta. Kligman oli sekä pyrkivä taiteilija, joka kaipasi olevansa museon tärkeälle maalarille että upealle nuorelle naiselle, joka herätti tähtiä, kuten Elizabeth Taylor ja Sophia Loren. "Hän todella pani lyijyä lyijykynäni", de Kooning sanoi kuuluisasti.

Naissarjan jälkeen de Kooning kehitti abstraktiosarjan (tunnetuin on pääsiäisenä maanantaina ), joka vangitsee New Yorkin raikkaan ja kuohuttavan elämäntunnon vuosisadan puolivälissä. Myöhemmässä 50-luvulla hän yksinkertaisti siveltimensä. Nyt pitkät leveät maalimallit alkoivat lakaista kankaan poikki. Hän vietti yhä enemmän aikaa Springsissä, missä monilla hänen ystävistään oli kesäpaikkoja. 50-luvun lopun kuvat viittaavat usein maaseudun valoon ja väriin, mutta sisältävät tietenkin kuviollisia elementtejä. Ruth's Zowie (1957) on eräänlainen deklaratiivinen élan ja itseluottamus. (Kligman antoi nimikkeen saapuessaan de Kooningin studioon ja nähdessään kuvan huudahti ”Zowie!”) De Kooning itse ei koskaan oppinut ajamaan autoa, mutta hän rakasti matkustaa laajoilla uusilla Yhdysvaltojen moottoriteillä. Vuonna 1959 taidemaailma ryhtyi gallerian avaamiseen, jota joskus kutsutaan hänen valtatiesarjakseen: suuret, rohkeasti silitetyt maisemat.

De Kooning ei ollut koskaan täysin mukava julkkis. Hän oli aina osittain köyhä poika Rotterdamista. (Kun hänet esiteltiin rouva John D. Rockefeller III: lle, joka oli juuri ostanut Woman II: n, hän löi ja haukkui ja räjähti sitten: “Näytät miljoonalta taalalta!”) Kuten monet hänen nykyaikaisistaan, hän alkoi juoda voimakkaasti. . Menestyksen huipulla kohti 1950-luvun loppua De Kooning oli humalajuomari, kadonnut joskus yli viikon kerrallaan.

50-luvulla monet nuoret taiteilijat olivat matkineet de Kooningia; kriitikot kutsuivat heitä "toisen sukupolven" maalareiksi - toisin sanoen seuraajien pioneereihin kuten de Kooning. 60-luvulla taidemaailma kuitenkin muuttui nopeasti, kun pop- ja minimalistitaiteilijat, kuten Andy Warhol ja Donald Judd, toivat taiteeseen viileän ja tietävän ironian, joka oli vieras de Kooningin rehevälle herkkyydelle. Nämä nuoret taiteilijat eivät halunneet olla ”toinen sukupolvi”, ja he alkoivat hylätä vanhemman maalarityön työn liian sotkuiselta, henkilökohtaiselta, eurooppalaiselta tai, kuten de Kooning voi sanoa, vanhalta hatulta.

Vuonna 1963, kun de Kooning lähestyi 60-vuotiasta, hän lähti New Yorkista Springsin luo Joan Wardin ja heidän tyttärensä kanssa. Hänen elämänsä Long Islandilla oli vaikea. Hän sai melankolian, ja hän pahoinpitelyn kohteeksi kuin historian jälkeensä jäänyt maalari. Hän jatkoi määräajoin taivuttajia, jotka toisinaan päättyivät hänen ottamisellaan Southamptonin sairaalaan. Mutta hänen taiteensa kehittyi edelleen poikkeuksellisen uusilla tavoilla.

De Kooning uppoutui Long Islandin maaseudulle. Hän rakensi suuren, eksentrisen studion, jota hän vertasi laivana, ja hänestä tuli tuttu hahmo Springsin ympärillä pyöräilemässä hiekkatietä. Hänen 60-luvun kuvitteellinen työ oli usein häiritsevää; hänen maku karikatyyriin ja groteskiin, ilmeinen Naisesta I, löytyi myös sellaisista seksuaalisesti latautuneista teoksista, kuten The Visit (1966-67), märkä ja mehukas kuva selässään makaavasta virnistävästä sammakko-naisesta. Naisten vartalo ja maisema näyttivät hänen abstraktimmissa kuvissaan sulautuvan yhä enemmän löysässä, vetisessä maalissa.

De Kooning alkoi myös tehdä poikkeuksellisesti koskettavia kuvioveistoksia : Clamdigger (1972) näytti vetäytyneen alkuperäisestä pilvistä. Seuraavat maalaukset, kuten ... Kenen nimi kirjoitettiin vedessä (1975), eivät olleet yhtä tuntuisia, mutta niillä ei ollut samaa mutaisuutta. Ekstaattiset veden, valon, heijastuksen, maalin ja kehon aistinpurkaukset - ehkä heijastus osittain de Kooningin intohimosta elämänsä viimeiseen suurta rakkautta, Emilie Kilgorea vastaan -, maalaukset näyttävät kuin mikään muu amerikkalaisessa taiteessa. Ja silti, 70-luvun lopulla, De Kooning lopetti sarjan äkillisesti ja tyypillisesti. Hänen mukaansa kuvat tulivat liian helposti.

Se oli myös 70-luvun lopulla, jolloin de Kooning avasi aluksi osoittaa dementiaa. Hänen vaimonsa Elaine, joka tuli takaisin hänen elämäänsä tuolloin, alkoi tarkkailla häntä huolellisesti. Yhä enemmän 80-luvun käytön aikana hän olisi riippuvainen avustajista, jotka liikuttaisivat kankaitaan ja maalaisivat maalejaan. Jotkut kriitikot ovat halvenneet tämän ajanjakson yhä enemmän varamaalauksia. Elderfield kuitenkin kohtelee myöhäistä tyyliä kunnioituksella. Parhaan myöhään ilmestyneen teoksen suhteen de Kooning näyttää seuraavan kättään, jäljittelemättömä harjahalvaus, joka on vapautettu taakasta ja silti vilkas kuin koskaan. "Sitten on elämässä aika", hän sanoi 1960, kun hän kyllästyi New Yorkiin, "kun vain kävelet: Ja kävelet omassa maisemassasi."

De Kooning kuoli 19. maaliskuuta 1997 Long Island-studiossaan 92 vuoden ikäisenä. Hän matkusti valtavan matkan pitkän elämänsä aikana, muuttaessaan Euroopan ja Amerikan, vanhan mestarin ja modernistin, kaupungin ja maan välillä. De Kooningin taide, maalari Robert Dash, sanoi: "Näyttää aina hyvästevän." De Kooning itse halusi sanoa: "Sinun on muututtava pysyäksesi samana."

Mark Stevens on yhdessä vaimonsa Annalyn Swanin kanssa kirjoittanut Pulitzer-palkinnon voittaneelle de Kooning: American Master -kirjailijalle.