Maalauksen kuolema ennakoitiin ensimmäisen kerran 1800-luvun puolivälissä, kun valokuvauksen tulo näytti purkavan todellisuuden maalari kädestä. "Jos valokuvauksen annetaan seistä taiteen suhteen jollain sen toiminnassa, " kirjoitti ranskalainen runoilija ja taidekriitikko Charles Baudelaire vuonna 1859, "se korvaa tai korvaa sen pian kokonaan." Taiteilijat ovat siitä lähtien yrittäneet saada selville valokuvauksen vaikutuksista.
Impressionistit, kuten Monet ja Renoir, hylkäsivät valokuvien staattiset, mekaaniset kuvat ja aikansa vanhentuneen akateemisen maalauksen maalatakseen omat vaikutelmansa siitä, kuinka silmä havaitsee valon ja ilmapiirin luonnossa. Jotkut heidän aikalaisistaan, mukaan lukien Degas ja Toulouse-Lautrec, ottivat erilaisen otteen. He alkoivat käyttää valokuvia inspiraatiota varten - rajaamalla kuviaan esimerkiksi kameralla ja ottaen käyttöön perspektiivivääristymiä kameran linssin perusteella.
Sitten, sata vuotta sitten, Matisse ja Picasso tekivät radikaalin maalauksen, joka määrittelee uuden modernin taiteen aikakauden. Matisse vääristi hahmon pullollaan olevalla sinisellä alastomalla vuonna 1907 maalaamalla valokuvasta vapauttaakseen hänen mielikuvituksensa ja murtaakseen elämästä piirtämisen muodostuneet tottumukset. Picasso maalasi myös valokuvia 1907-luvun Les Demoiselles d'Avignoniin . Jokainen hahmo näytti moninkertaiselta valotukselta, katsottuna eri kulmista samanaikaisesti - ratkaiseva askel kubismiin.
1900-luvun edistyessä maalarit, kuten Wassily Kandinsky ja Jackson Pollock, luopuivat taiteen käsitteestä kokonaisuutena esityksenä ja tuottivat kankaita, joissa ei ollut lainkaan tunnistettavia esineitä. Heidän "abstrakteissa" teoksissaan itse aiheesta tuli aihe. 1960-luvulle mennessä käsitteelliset taiteilijat - Marcel Duchampin ja muiden 1920-luvun dadaistien inspiroimana - omaksuivat näkemyksen, että taiteen tulisi suunnata mieliä, ei silmää, kääntämällä maalauksia, joissa työn taustalla oleva idea oli tärkeämpi kuin itse teos . Muutamia ilmeisiä poikkeuksia lukuun ottamatta - pop-taide, valokuvarealismi ja taiteilijat, kuten David Hockney - edustavaa tai esittävää taidetta pidettiin suurelta osin menneisyytenä 1900-luvun lopulla. Mutta viime vuosina monet nykyajan maalarit ovat alkaneet palata takaisin modernin taiteen juurille löytääkseen uusia ilmaisutapoja. Ne sekoittavat ihmishahmoa ja muita tunnistettavissa olevia muotoja abstraktioiden ja moniselitteisen kertomuksen elementteihin tavoilla, joita ei ole ennen nähty.
"Jännitys ammatini ympärillä on tällä hetkellä valtavaa", sanoo Joachim Pissarro, New Yorkin modernin taiteen museon maalauksen ja piirtämisen kuraattori. "Kolmekymmentä vuotta sitten puhuttiin koko maalauksen loppumisesta. Nykyään kukaan ei välitä siitä." Nuorelle sukupolvelle hän sanoo: "Abstraktin ja edustamisen välinen polarisaatio, joka oli olemassa 1900-luvun loppupuolella, on vain merkityksetön. Se, mitä näemme nyt, on erittäin mielenkiintoinen. Ja aivan uusi".
Hajallaan Brooklynista Trinidadiin Leipzigiin, Saksaan, näillä sivuilla edustetut taiteilijat uudistavat "uskonsa maalaamiseen", sanoo New York Cityn uuden nykytaiteen museon vanhempi kuraattori Laura Hoptman.
Peter Doig
"Kun ihmiset alkoivat kiinnostua työstäni 1980-luvun lopulla, maalaus oli täysin esityslistalla", sanoo Trinidadissa asuva 49-vuotias skotlantilainen Peter Doig. "Se, mitä galleriat pitivät kärjessä, oli kaikki käsitteellistä - maalaus maalauksesta, taidetta, joka kertoi jotain siitä, miten se on tehty. Työskentelin tietoisesti sitä vastaan. Minulle, kun olet maalari, sinut pakotetaan jatkuvasti katsomaan maailmaa potentiaalisena maalauksen aiheena. Ja se kulkee jonkun näkemisestä kadulla, jotain näkemiseen elokuvassa, lehdessä, kaiken todellakin. "
Trinidadin pääkaupungissa, Espanjan satamassa sijaitsevassa kunnostetussa romin tislaamossa Doigin studio on täynnä suuria kankaita, jotka kuvaavat viidakonmaisemaa, maalattuja jokia ja epäselviä hahmoja. Kun hän lähti Lontoosta muuttamaan Trinidadiin vuonna 2003, monet hänen ystävänsä kutsuivat sitä "tekemään Gauguinia" ranskalaisen taiteilijan Paul Gauguinin jälkeen, joka muutti Tahitille vuonna 1891 tullakseen luontoon. Doigin tyyliä verrataan joskus Gauguinin tyyliin, mutta hänen lähestymistapansa maalaukseen on aivan erilainen. Hänen menetelmänsä perustuu tietynlaiseen tietojenkäsittelyyn, joka alkaa usein valokuvasta, hän sanoo, koska valokuvien maalaaminen etää hänet siitä, mikä on todellinen tai totta. "Miksi maalauksen on oltava totta?" hän kysyy.
Doig on tehnyt useita maalauksia vanhasta postikortista, jonka hän osti Lontoon roskariikosta, joka kuvaa jokimaisemaa Intiassa. "Kun maalan suoraan luonnosta", hän sanoo, "olen liian kiinni yrittäessäni saada se oikein. Valokuvan tai postikortin avulla voin vain ottaa haluamani ja jättää loput pois. Tein valokuvan Pieni guru postikortissa ja otti siitä uuden kuvan, ja minä räjätin sen niin, että siitä tuli epäselvä möykky, ja maalasin siitä, ja hänestä tuli eräänlainen parrakas mies, jotain salaperäistä ja mustaa. En t tiedä onko hän uskonnollinen henkilö vai fanaatikko, mutta hänessä on jotain henkistä. "
Hän osoittaa 9 x 12-jalkaisen kankaan luonnostetusta hahmosta, joka kiipelee palmuun, halaa tavaraa ja kurkistaa abstraktista harjaiskujen, tippujen ja halkeamien tyhjyydestä. "Ne tiput ja halkeamat ovat eräänlaisia kauniita maalauksen asioita, jotka ovat ainutlaatuisia", hän sanoo. "Hyväksyt mahdollisuudet ja heille ne annetaan, mutta minä vihaisin heitä tullakseen mantereiksi tai temppuiksi." Kuitenkin hahmo kärsi eniten SITE Santa Fe -ohjaaja Laura Heonia, kun maalaus esitettiin museon biennaalissa 2006. "Tavallaan se on paluu humanismiin", hän sanoo. "Ihmisestä kuvan tekemisessä on jotain erittäin anteliasta."
Suuri retrospektiivi Doigin teoksesta aukeaa Tate Modernissa Lontoossa helmikuussa.
Dana Schutz
Dana Schutzin maalauksissa vääriä ja todellisia on vaikea erottaa toisistaan. "Tiedän, että kuviani on rakennettu, mutta uskon niihin maalatessani", hän sanoo vanhassa teollisuusrakennuksessaan sijaitsevassa studiossaan kääntyneen taiteilijoiden yhteistyönä Brooklynissa. 30-vuotias Schutz haluaa luoda hahmoja ja laittaa ne erilaisiin skenaarioihin maalaussarjan yhteydessä, jossa ne näyttävät omaksuvan itsensä. Yksi sellaisista sarjoista on henkilöhahmoja, joita hän kutsuu "itsesyöjiksi" - ihmisistä, jotka ovat riisuneet ja jotka selviävät ruokkimalla ruumiinsa osia ja jälleenrakentamalla itseään. Maalauksia fantastisilla kuvillaan ja sitä, mitä hän kutsuu "extroverteiksi väreiksi" - kuvapisteiksi ja punaisiksi, sähköpurppurta ja viidakonviheriöitä - on kiitetty uudella ekspressionismissa, ja niitä on helppo tulkita sosiaalisten häiriöiden perusteella - alkaen anoreksiset mallit raivokkaalle kuluttajalle - tai jopa silmäyksinä taiteilijan psyykeihin. Mutta Schutz on eri mieltä.
"En ole ekspressionisti", hän protestoi. "Nämä maalaukset eivät tarkoita minua ilmaisemaan sitä miltä minusta tuntuu." Itsepyöjät, hän sanoo, "ovat kuvallinen ratkaisu; voit ottaa ne erilleen ja koota uudelleen. Se on kuin heistä olisi tullut vain materiaaleja."
Mutta Schutz sanoo, että hänen maalauksensa ovat joskus innoittaneet siitä, mitä hän näkee Internetissä tai ajattelee tuolloin. "Haluan, että nämä maalaukset alkavat jostakin yleisön mielikuvituksesta, jossa ihmiset tuntevat voivansa tuntea sen tarinan, kuten plastiikkakirurgia tai tuotanto-kulutus tai tavat, joilla teemme itsellemme vaihtoehtoisia historiaa", hän sanoo. "Yhä useammin minusta tuntuu radikaalisimmalta, mitä taidetta voidaan tehdä, on antaa jollekin kokemus, jonka he tuntevat olevan jollain tavalla tuntematon."
Schutzille abstraktin ja figuratiivisen maalauksen välillä ei ole kovaa linjaa. "En ajattele heistä olevan jotain erillistä." Yhdessä uudessa maalauksessa, jossa mies ja nainen ajavat, auton luvut näyttävät melkein muovillisilta, ikään kuin ne sulavat kuumalla Havaijin maisemalla. "Tapa, jolla ajattelen heitä", hän sanoo, "onko tulevaisuudessa, jos katsot taaksepäin meihin, mitkä piirteet säilyisivät, hieman vääristyneellä tai yleistyneellä tavalla?"
"Ehkä uudistamme hahmoa", hän jatkaa. "Maalaamisen tekeminen maalauksesta kuulostaa vain hullualta. Kaikki se, mikä puhuu maalista. Mielestäni taiteilijat haluavat nyt tehdä merkityksestä ja vaikuttaa. Se on hyvin erilainen kuin 1900-luku."
Näyttely Schutzin teoksista avataan marraskuussa Nykytaiteen taidegalleriassa Berliinissä, Saksassa.
Neo Rauch
Leipzigissä 47-vuotias saksalainen taiteilija Neo Rauch vaikuttaa kylmän sodan jälkeisten maalareiden sukupolveen epäselvinä maalauksina, joissa sekoitetaan realismia fantasiaan, tavallista ja outoon. Rauch maalaa itäblokin sarjakuvien ja kaupallisen taiteen graafisiin tyyleihin, kommunistisen Itä-Saksan sosiaaliseen realismiin, omiin unelmakuviin ja kaupunkimaisemaan liittyviin elementteihin. Rauch maalaa sellaiset hahmot, joita saatat löytää propagandajulisteista, mutta hän asettaa ne kohtauksia, jotka hänen mukaansa ovat "hämmentävästi uskottavia" - kerran tuttuja ja outoja.
Rauch kuvailee maalauksiaan allegoreiksi henkilöllisellä ikonografialla, joka pysyy yksityisenä. Hän kertoi äskettäin New Yorkin Metropolitan Museum of Art -haastattelijalle, että hänen päätöksensä maalarit voivat olla syynä - jopa oman. Mutta sillä, jonka hän sisällyttää maalaukseen, on oma todellisuus, hän sanoo, koska "kaikesta tulkinnan toiveesta huolimatta maalauksen tulisi säilyttää etuoikeus sijoittaa sellainen rakenne, jota ei voida sanallistaa". Rauch kuvailee maalauksen valmistusprosessiaan pyrkimyksenä tasapainottaa sitä, mikä tunnistettavissa on, mitä selittämätöntä. "Minulle hän on sanonut, " maalaus tarkoittaa unen jatkamista muilla keinoilla. "
Näyttely Rauchin teoksista on tällä hetkellä esillä Metropolitan Museum of Art -messuilla New Yorkissa (14. lokakuuta kautta).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, kuten toinen Columbian yliopiston taidekoulun valmistunut Dana Schutz, on perustanut studionsa muunnellussa teollisuusparvella Brooklynissa. 1800-luvun lopun ranskalaisen historiamaalauksen innoittamana hänen maalauksissaan yhdistyvät figuratiiviset elementit tekniikoihin, jotka hän on johdettu graffitista ja abstraktista ekspressionismista.
"Teini-ikäisenä kasvanut Philadelphian kaupungin keskustassa olin graffitikirjoittaja", hän sanoo. "Minulla on kaikenlaisia vaikeuksia, pidätettiin, mutta minulla oli aina yksi jalka taidetta." Lopulta ystävän isä vei hänet joihinkin taidegallerioihin New Yorkissa. "Se on todella ainoa tapa, jolla olisin edes tiennyt, että taidemaailma on koskaan olemassa", hän sanoo.
Furnas, 34, maalaa kankaansa tasaiseksi lattialle, kuten Jackson Pollock teki. Mutta sen sijaan, että tippaisi öljyvärimaalia à la Pollock, hän luo vesipohjaisen maalin maalit, jotka hän paaluttaa päällekkäin muodon luomiseksi. Sisällissodasarjasta hän täytti ruiskun punaisella akryylimaalilla, jonka hän ruiskutti kankaansa yli edustamaan verta. "Öljyt eivät koskaan kuivaa ajoissa siihen tapaan, jolla käytän maalia", hän sanoo, "tasainen maassa, lätäköissä. Paljon siitä juontaa juoni grafiti. Yksi niistä asioista, josta pidin graffitista, on se, että se tarkoituksella Väärin materiaalia. Voit poistaa ruiskupurkin korkit yhdestä aerosolista, sanoa esimerkiksi työtasonpuhdistusaineen, ja laittaa sen maalisäiliön päälle ja saada aivan erilainen vaikutus suuttimesta .... En ole koskaan vaivautunut Minulla on valtava kokoelma spray-tölkkien korkoja. Kuvitellaan, että joillakin öljymaalareilla on siveltimiä. Työssäni on eräänlainen tarkoituksellinen sekoitus mitä rautakaupassa ja taidekaupassa on. "
Columbian taidekoulussa Furnas huomasi kapinoivansa vanhempaa opettajien sukupolvea vastaan, joka hänen mukaansa oli "käsitteellisiä ja postmoderneja taiteilijoita, melkein ilman maalareita". Hän näki maalauksen itseään ilmaisevana tekona, joka oli epämuodossa. Hän halusi myös teoksensa olevan katsojien saatavissa ilman, että tutkijoiden olisi tulkittava sitä. "En halunnut, että nämä mustapukuisissa ihmisissä puhutaan työstäni", hän sanoo. "En halunnut välittäjää." Hän päätti "palata modernismin siemeniin", hän sanoo "Courbetille, Géricaultille ja Manetille, 1800-luvun lopun Ranskan historiamaalaukseen. Pystin tutkimaan genren uudelleen ja tutustua siihen eri tavalla. Joten minusta on tullut tällainen modernismin säästäväisyyskauppias! "
Furnan teosten näyttely on suunniteltu keväällä Stuart Shave / Modern Art -galleriassa Lontoossa.
Katherine Lee
Katherine Lee, 22, vanhassa armeijan armeijan kasarmeissa, jotka on tehty taiteilijoiden studiota varten Santa Fen yliopistossa, ihmettelee kuinka hänen langallinen sukupolvensa tarkastelee taidetta. "Luimme nykyään niin monia välittömiä visuaalisia viestejä", hän sanoo, "kuten mainokset - lukevat sen ja saavat sen - ja haluan maalauksen olevan mielenkiintoista pidempään kuin kaupallinen tauko. Mielestäni narraation pelko on, ja se tulee ideasta 'saada se'. Ihmiset ovat tottuneet mainostamaan, että haluavat, että joku muu ajattelee maalauksessaan näkemää. Mutta mainonta tekee niin hyvää työtä, että sinun on ehkä löydettävä uusi strategia. "
Leen studion seinälle on kiinnitetty salaperäinen, melkein musta maisema, jossa on etäisyys valosta. Siinä on tunnelmallinen tunnelma ja syvyys 1800-luvun maisemassa, mutta Lee maalasi sen useista valokuvista grafiitin, öljyjen ja suihkumaalaisen purkin seoksella. Tumma lehdet viittaavat viidakkoon tai metsään, ja kaiken keskellä on jotain, joka näyttää punaiselta sateenvarjolta. Mutta ihmisiä ei ole. On vaikea tietää mitään kohtauksesta, mitä hän juuri haluaa. "Se sateenvarjo metsässä viittaa siihen, että jotain tapahtuu", hän sanoo. "Pidän ajatuksesta, että kaikki toimii potentiaalisena sisällönä. En todellakaan ajattele, mitä se tarkoittaa, kun teen sitä, koska tiedän, että sillä on oma merkitys."
Kun hän maalaa ihmishahmoja, kuten öljy- ja grafiittikuvassa romanttisesta parista, jota hän kutsuu nimettömäksi rakkaudeksi, Lee haluaa, että maali kiinnostaisi katsojaa yhtä paljon kuin kuva. "Se ei ole tarkalleen figuratiivinen maalaus, " hän sanoo, "koska se ei oikeastaan koske näitä ihmisiä. Kun aloitin maalauksen, se todella koski vain hahmoa, mutta melko pian se näytti liian tasaiselta. Sain todella turhautuneena ja eräänlaisena tuhoutuneena. Suurin osa maalauksesta, ja sitten se oli paljon parempi. Otin sivellin ja hämärtin vain väkivaltaisesti kaiken. Abstrahitsemalla kaikkea niin laajasti, maalaus tulee avoimeksi, se saa paljon potentiaalista sisältöä toisin kuin selventäen itseään. "
Katherine Leen maalaukset ovat esillä toukokuussa väitöskirjaesityksessä Santa Fe -opiston korkeakoulujen taidegalleriassa.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, 32, äskettäin valmistunut Columbia University University of Arts -taiteesta, on maalari, jonka työ lisää nykyaikaisen maalauksen uutta jännitystä, joka sekoittaa abstraktiota ja esitystä. Brooklyn-studiossaan kankaat peitetään suurilla abstrakteilla siveltimillä, jotka muistuttavat de Kooningia, mutta ne sisältävät sellaiset hahmot, joita Matisseen kaltainen maalari on ehkä kuvitellut. Neel sanoo, että hänen omaa herkkyyttänsä muokkaa ympäröivien kuvien tulva mainostamisesta ja televisiosta elokuviin, videoihin ja Internetiin. "Olemme kuvien käyttäjiä melkein syntymästämme lähtien", hän sanoo ja hänen mielestään taiteen on nyt käsiteltävä tätä ympäristöä.
1900-luvun kuvittelija Alice Neelin tyttärentytär, Elizabeth surffaa usein Internetissä kuvien suhteen ennen maalauksen aloittamista. Hän ei projisoi valokuvia kankaalle, mutta tekee luonnoksia kuvista, joita hän haluaa käyttää. Joskus hän sanoo, että maalauksen tekemisen puhtaasti muodolliset näkökohdat - esimerkiksi hänen siveltimen voimakkuus - voivat muuttaa hänen kiinnostustaan kuvaan ja lähettää hänet takaisin Internetiin uusien kuvien ja ideoiden löytämiseksi. "Uskon, että maalauksella voi olla loistava kaksinaisuus; se voi olla itsestään ja se voi koskea maailmaa", hän sanoo, "ja se on hyvä kohta maalauksessa, kun niin tapahtuu."
Brittiläinen keräilijä Charles Saatchi on ostanut useita Neelin maalauksia ja sisällyttää joitain niistä meneillään olevaan näyttelysarjaan "Maalauksen voitto" Lontoon galleriassa. Neelillä on henkilökohtainen show Deitch Projects -projektissa New Yorkissa keväällä 2008. Hänen työnsä voi nähdä Deitch Projects -verkkosivustolla.
Kirjailija ja maalari Paul Trachtman asuu New Mexico. Hänen artikkelinsa dadaisteista julkaistiin toukokuussa 2006 Smithsonianissa.
