”Robert Indiana syntyi samannimisessä osavaltiossa vuonna 1928”, aloitti taiteilijan käsin kirjoittama lyhyt elämäkertakuvaus hänen ensimmäisestä henkilönäyttelystään luettelossa Stable Galleryssa vuonna 1962: “Hän opiskeli Chicagossa ja Edinburghissa ja palasi matkailu-apuraha elää (sic) maalata New Yorkin ranta-alueella. Täällä ensimmäisessä yhden miehen näyttelyssään hän kertoi yhden amerikkalaisen elämän tärkeimmistä tapahtumista. ”
Vaikka taiteilija liitetään erottamattomasti L O VE -suunnitteluunsa ja pop-taideliikkeeseen, Indianan laajempi teos - johon on lisätty numeroita, sanoja ja symboleja - sisältää omaelämäkerrallisia, kirjallisia ja historiallisia viitteitä tehdäkseen kovareunaisia elegioita amerikkalaiseen unelmaan. .
Syntynyt Robert Clark, New Castle, Indiana, vuonna 1928, maalari, kuvanveistäjä ja runoilija, joka otti käyttöön nimen Indiana - jota hän kutsui nimensä "harjaksi" -, kuoli 19. toukokuuta 2018 89-vuotiaana. Hänestä tulee, kirjoittajana ja tutkijana Barbaralee Diamonstein-Spielvogel totesi ensin ”miehen, joka keksi rakkauden ”.
L O VE kaikissa iteraatioissaan - taiteilija on kääntänyt veistoksia espanjaksi ja hepreaksi; maalattu tulostettavaksi nelikirjaimiseksi sanaksi putoamisen jälkeen Ellsworth Kellyn kanssa; tai julistettiin uudelleen vuonna 2008 H O PE: ksi Barack Obaman ensimmäisen presidenttikampanjan keräilijäksi tehdyssä painotuotteessa - on usein lyhenne Indianan taiteellisesta tuotoksesta. Smithsonian American Art Museum -pääkuraattori Virginia Mecklenburg toteaa, että vaikka Indiana oli yhteydessä pop-taiteilijoihin, kuten James Rosenquist, Roy Lichtenstein ja Andy Warhol, hän oli erilainen. ”He keskittivät käsityksemme kuluttajayhteiskunnan tuotteisiin. L O VE ei liittynyt kuluttajakulttuuriin, vaan tunteisiin, joiden kautta elämme.
Että intialainen ei koskaan suojannut hänen laajalti jäljiteltyään L O VE -muotoiluaan, oli tappio taiteilijalle, joka keräsi suuren sarjan kopioita. Mutta teoksen henkilökohtaisempia paljastuksia ei ole niin helposti plagioitu kuin sen graafiset linjat: Indiana viittaa erilaisissa haastatteluissa L O VE: hen inspiraation saamiseksi pikemminkin henkisestä kuin eroottisesta alkuperästä, mutta kuten suurin osa työstään, hänen L O VE Vuoden 1966 maalaus on väri- ja omaelämäkerran tyydyttynyt.
Robert Indiana ja opiskelija Skowheganin maalaus- ja kuvanveistokoulussa, 1969 (Skowheganin maalaus- ja kuvanveistokoulurekisterit, 1946-2013. Arkisto American Ar) 
Valokuva Robert Indiana ja Decade Autoportrait 1969 (72 in.), Ennen vuotta 1972. (Mary Swift) 
Robert Indianan muotokuva hänen studiossa, c. 1980-luku (Mary Swift, valokuvaaja. Mary Swift -lehdet, noin 1970-2005. Amerikkalaisen taiteen arkisto) 
Alan Groh ja Robert Indiana (oikealla) asettavat näyttelyn Stable Galleryyn 1964 (Nancy Astor, valokuvaaja. Vakavat galleriarekisterit, 1916-1999, irtotavarana, 1953-1970. Amerikkalaisen taiteen arkisto) Robert Indianan L O VE -malli on edustettuna kokoelmissa Smithsonian-instituutin kautta yhdessä muiden hänen taideteostensa kanssa. Ne ovat esimerkkejä ja tarjoavat käsityksen taiteilijan uran koko laajuudesta.
Suullinen historia Smithsonianin amerikkalaisen taiteen arkistossa sisältää monia haastatteluja taiteilijoiden kanssa, jotka keskustelevat heidän ystävyydestään Indianan kanssa ja hänen teoksistaan, mutta ymmärrettävimpiä on vuoden 1963 taiteilijahaastattelu, jonka teki nykyaikaisen taiteen keräilijä Richard Brown Baker.
Siinä Indiana puhuu pitkään häiriintymättömästä lapsuudestaan ja varhaisesta koulutuksestaan - jota pahentaa hänen äitinsä taipumus vaeltaa, jonka seurauksena perhe muutti 21 taloon 17-vuotiaana. Hänen kiinnostuksensa runouteen ja kirjallisuuteen sekä asumisensa Coenties Slipissä alempana Manhattanilla taiteilijayhteisön joukossa, johon kuuluivat Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney ja Jack Youngerman.
Lehdistä löytyvä joulukortti Dorothy Miller, joka oli kuraattori modernin taiteen museossa, tarjoaa esikatselun L O VE: stä varhaisessa konseptivaiheessaan. Arkiston käsikirjoitusten kuraattorina Mary Savig kuvailee kirjassaan käsintehtyjä lomakortteja 1900-luvun taiteilijoilta:
Yksi ensimmäisistä Robert Indianan julkisesti rakastetun aiheen, LOVE-aiheen iterauksista, oli MoMA: n vuonna 1965 myymä kortti. Vuoden 1964 lomakortilleen Indiana oli tehnyt rakkauden sanan lyijykynän hieroksia, täydellisenä allekirjoituksellaan vinossa O; yksi hänen korttinsa vastaanottajista oli MoMA-kuraattori Dorothy Miller. Seuraavana vuonna MoMA tilasi Indianasta entistä värikkäämmän lomakorttilinjansa alkuperäisen mallin.
Onnittelukortti Robert Indiana lähetti Dorothy C. Millerille, 1964 (. Dorothy C. Miller -lehdet, 1853-2013, irtotavarana 1920-1996. Amerikkalaisen taiteen arkisto) Vuonna 1964, samana vuonna Robert Indiana lähetti L O VE -lomakorttinsa, hän teki yhteistyötä elokuvan Eat kanssa Andy Warholin kanssa, jossa Indiana syö elokuvien editoinnin noidan kautta jatkuvasti täydentävää sieniä 35 minuutin ajan. New Yorkin maailmanmessuilla hän oli yksi kymmenestä taiteilijasta, jotka Phillip Johnson oli tilannut luoda kuvan New York State Pavillionin kaarevalle julkisivulle. Indianan luominen, 20 jalkaa pitkä viiden mustan ympyrän muotoinen merkki, joka oli järjestetty kuin viisipuolisen muotin kasvot kirjaimien kanssa, jotka syttyivät EAT: n selventämiseksi, sijoitettiin Ellsworth Kellyn ja Robert Rauchenbergin teosten väliin. Sanat EAT, DIE, HUG ja ERR olisivat ajatuksia, että Indiana palasi uudestaan ja uudestaan - Mecklenburg kutsuu heitä "ikonisiksi komennoiksi" - EAT: n kanssa, viimeinen sana, jonka äitinsä sanoi hänelle ennen kuolemaansa, ja oli yksi syvällisimmistä omaelämäkerroista .
Philadelphian taiden kuraattorit Joan Kron ja Audrey Sabol muuttivat humoristisella sanalla Indiana's World Fair -mallin rintakoruksi, jonka Tiffany valmisti heidän aitoa sähköyhtiötä varten - yhdeksi useista naisomistuksessa olevista yritysyrityksistä. New York Timesissa kirjoitettuaan projektinsa he saivat paljon kyselyjä nastasta, joista osa löytyy Kronin arkistoista. Niiden joukossa on Daniel Neck Krakauerin muistilappu, Great Neck, Long Island, jossa kysytään mistä hän voi saada yhden EAT-rintakoruista miehensä yllätyksessä 50. syntymäpäivän juhlissa: “En voi ajatella parempaa tapaa ilmoittamalla, että 'ehtoollinen on palvella' kuin 'sytyttämällä. . . '”Kirjeessä on taipuvainen ironia; Maailmanmessujen virkamiesten oli määrättävä Indianan kyltti sammutettavaksi vain yhden päivän kuluttua, koska väkijoukot lentäivät paviljongiin sekoittaen sitä ruokapaikalle. Kuten Indiana kirjoitti, "liian monet ihmiset olivat reagoineet pakottavaan tuon ensimmäisen päivän aikana."
Vuonna 1974, kun Smithsonian sai rahoittajan ja filantropian Joseph Hirshhornin taidekokoelman ja avasi Hirshhornin museon ja veistospuiston kansallista nykytaiteen museona, Smithsonian Associates tilasi avauspäivänä neljä julistetta, joista yksi Robert Indiana ja silmiinpistävä sininen tähti ja rohkea graafinen suunnittelu.
Museon avaamishetkellä Hirshhorn-kokoelmassa oli vain kaksi varhaista Indiana -maalausta - Eateria, 1962 ja Beware-Danger American Dream # 4, 1963. Molemmat, Hirshhornin vanhempi kuraattori Evelyn Hankins, ovat "ikonisia esimerkkejä Robert Indianan tavasta käyttää amerikkalaista kansankieltä, kuten liikennemerkkejä, silmiinpistävien teosten luomiseen pop-taiteen ytimeen".
Indianan avajaispäivän juliste, väittää Hirshhornin Evelyn Hankins, "edustaa hyvin sitä, miksi Robert Indiana on keskeinen tekijä pop-taiteen maailmassa - hänen kovan reunan grafiikansa käyttö, joka on joskus juhlallista ja jossa joskus kysytään kovia kysymyksiä tummemmasta puolelta. Yhdysvaltain unelmasta. ”(Hirshhorn) Indianan avajaispäivän juliste, sanoo Hankins "graafisella rohkealla tähdellä ja rajoitetulla värivalikoimalla", ei vain sovi hyvin kokoelmaan ja taiteilijan toimintaan, vaan oli myös "hyvin edustava siitä, miksi Robert Indiana on keskeinen pop-maailman kannalta - hänen kovan reunan grafiikan käyttö, joka on joskus juhlallista ja jossa joskus esitetään vaikeita kysymyksiä amerikkalaisen unelman tummemmasta puolelta. ”Erityisesti tässä tapauksessa juhlallinen.
Taidekriitikko Lucy Lippard julisti Indianan "ulkona ja romanttiseksi" ja totesi, että taiteilijan "panos on ollut runouden ja geometrisen selkeyden avioliitto sisällyttämällä amerikkalainen kirjallisuus ja historia objektiiviseen taiteeseen".
Hänen romanttiset taipumuksensa käyvät ilmi hänen löydetystä puusta ja esineistä valmistetuissa pylväsveistoksissa, mukaan lukien Smithsonian American Art Museum -kokoelmissa sijaitsevat esineet. Museon Virginia Mecklenburgin mukaan, joka kuratoi taiteilijan yksityisnäyttelyä 1984 ”Puuteokset: Robert Indianan rakennukset”, nämä kappaleet osoittavat hänen älykkyyttä ja työprosessia. ”Hän halusi tehdä käsitteistä totemisia. Hän näki veistoksensa totemina, kuten rauta, joka toimi muinaisina aikoina Rooman teiden varrella. Indianan veistokset edustavat läsnäoloa, voimaa, yksilöllisyyttä sekä sanoja, kylttejä, symboleja, tapoja merkitä tunne, paikkoja. Oli tahallisuutta - nämä asiat olivat hänen mielessään. "
Robert Indianan viisi . (Smithsonian American Art Museum, taiteilijan lahja) Vuoden 1984 näyttelyn aikaan Indiana lahjoitti maalauksensa Kuva Viisi ja museo osti veistoksensa Viisi . Molemmat ovat riffit Charles Demuthin maalauksessa " I Saw the Figure 5" - tehty vastauksena William Carlos Williamsin runolle "Suuri hahmo", joka on kirjoitettu kohtaamisen jälkeen paloautolla, jota hätkähti sateisessa Manhattanin yössä - ja ne ovat kulmakiviä. museon Indianan tiloista.
Sateen ja valon joukossa näin kuvan 5 kultaisena punaisella tulipalolla liikkeellä. . . .
”Bob piti ajatuksesta veistoksen ja maalauksen olevan yhdessä”, Mecklenburg kertoo. "Demuttiin vaikutti Williamsin kokemuksellinen runo - nopeus, valo, taputtelevan paloauton ääni - Bob löysi toisen tavan ilmaista tämä, joka oli tällä hetkellä."
Mecklenburg kysyi, millaista oli työskennellä Indianan kanssa näyttelyssä, joten Indiana oli ujo, mutta antoi silti pääsyn henkilökohtaisiin lehtiinsä, joiden sivut toistetaan näyttelyluettelossa. ”Hän oli melko uskomaton. . . hän oli ystävä ”, hän sanoo. ”Hänellä oli syvällinen tunne Yhdysvaltojen historiasta, nimittäen itsensä valtioksi, jossa hän varttui - hän ei ollut Robert Massachusetts! Se oli Keski-Amerikan väite, ja se kertoo jotain siitä, mitä hän arvosti. "
Kuten hän kertoi Diamonsteinille, ”kun olin lapsi, äitini ajoi isääni työskentelemään Indianapolisiin, ja näkisin käytännössä jokaisen nuoruudeni päiväni valtavan Phillips 66 -merkin. Joten se on tuon merkin punainen ja vihreä sinistä Hoosier-taivasta vasten. Rakkauden sininen on todellinen. Siksi rakkauteni on kunnianosoitus isälleni. "
Robert Indianan suullisen historiahaastattelun lopussa Richard Brown Baker ehdotti, että taiteilija ei ollut ollut ”täysin paljastava”, mutta Mecklenburg väittää, että Indiana antaa paljon pääsyn katsojalle, joka haluaa lukea syvällisesti teoksensa. Indiana, hän sanoo, "oli mies, joka teki jälkensä maailmaan taiteellaan."
Itse asiassa Indiana, joka näki itsensä merkkien maalareksi, väitti kerran: "Maalaan Amerikan kohtauksia."
Kuten hän ilmaisi selvästi taiteilijoiden lausunnossa Stable Gallerylle: ”Taideni on kurinalainen korkea sukellus - voimakas nousu, samanaikainen ja monikromaattinen, sanallis-visuaalisen korotus. . . vuoropuheluni. ”
