Kaikki suuntaukset selkeytyvät ajan myötä. Kun tarkastellaan taidetta jopa 15 vuotta vanhasta, ”näet kuviot hiukan paremmin”, kertoo Hirshhornin museon kuraattori Melissa Ho. "On suurempia, syvempiä suuntauksia, jotka liittyvät siihen, miten elämme maailmassa ja miten koemme sen."
Joten mikä on modernia taidetta? Kysymys, hän sanoo, on vähemmän vastuullinen kuin loputtomasti kiistanalainen.
Teknisesti, sanoo Ho, moderni taide on ”nykyaikaisuuden historiallisen hetken kulttuurinen ilmaus”. Mutta miten kyseinen lausunto purkataan, on kiistelty. Yksi tapa määritellä nykytaite tai mikä tahansa oikeasti on kuvata sitä, mikä se ei ole. Perinteinen akateeminen maalaus ja veistos hallitsivat 1500-, 18- ja 18-vuosisatoja. "Kyse oli täydellisestä, saumattomasta tekniikasta ja sen täydellisen, saumattoman tekniikan käytöstä erittäin vakiintuneen aiheen toteuttamiseksi", Ho sanoo. Oli tyylilajien hierarkia, historiamaisista maalauksista muotokuviin asetelmiin ja maisemiin, ja erittäin tiukat käsitykset kauneudesta. "Osa modernismin voitosta on akateemisten arvojen kaataminen", hän sanoo.
Modernissa taiteessa on kyse taiteellisesta taiteellisesta taiteesta, joka liittyy henkilökohtaiseen ilmaisuun. Vaikka tilanne ei ole aina ollut historiallisesti, Ho selittää, ”näyttää nykyään melkein luonnolliselta, että teokset, joiden ajattelet taidetta, ovat ilmaisua yksilöllisestä visiosta.” Modernismi kattaa valtavan määrän taiteilijoita ja erilaisia taiteita. Palajen takana olevat arvot ovat kuitenkin samat. "Nykytaiteen yhteydessä tämä uusi painotus korostaa olevansa alkuperäinen ja tekemässä jotain innovatiivista", Ho sanoo.
Edouard Manetia ja impressionisteja pidettiin osittain modernina, koska he kuvasivat nykyajan elämää. Teollinen vallankumous toi ihmisiä droveihin kaupunkeihin, ja kaupunkielämässä syntyi uusia vapaa-ajan muotoja. Hi huomauttaa Hirshhornin gallerioiden sisällä Thomas Hart Bentonin Chilmarkin ihmisistä, maalauksesta, joka muodostuu sekalaisten miesten ja naisten joukosta ja muistuttaa hieman klassista Michelangeloa tai Théodore Géricaultin kuuluisaa Medusan lauttaa, paitsi että se on nykyaikainen rantakohtaus, innoittamana Massachusettsin kaupungista, jossa Benton kesällä. Ringside Seats, George Bellowsin maalaus nyrkkeilyottelusta, ripustaa lähellä, samoin kuin kolme Edward Hopperin maalausta, yksi nimeltään teatterivaihtoehtojen ensimmäisen rivin orkesteri odottaa verhojen vetämistä.
Renessanssitaiteessa korkea palkkio pantiin luonnon jäljittelyyn. "Sitten, kun se on hakattu pois, abstraktion annetaan kukoistaa", Ho sanoo. Bentonin ja Hopperin kaltaiset teokset ovat yhdistelmä havainnointia ja keksintöä. Kuubistit alkoivat 1900-luvun alkupuolella leikkiä avaruudessa ja muodossa tavalla, joka vääntää perinteisen kuvanäkymän.
Taidehistorioitsijat käyttävät usein sanaa “autonominen” kuvaamaan modernia taidetta. ”Kansankieli olisi” taidetta taiteen vuoksi ”, Ho selittää. "Sen ei tarvitse olla olemassa muunlaiselle hyödyllisyysarvolle kuin omalle eksistentiaaliselle syylle olla." Joten modernin taiteen arviointi on erilainen peto. Sen sijaan, että kysytään kertomusta, kuten historiamaalauksen yhteydessä voi kertoa, kuka on päähenkilö? Ja mikä on toiminta? Piet Mondrianin maalauksen arviointi tulee enemmän sävellykseen. "Kyse on koostumuksen jännityksestä", sanoo Ho, "muodollinen tasapaino värin, linjan ja tilavuuden välillä toisaalta, mutta myös vain sen äärimmäisestä puhtaudesta ja tiukuudesta."
Ho: n mukaan jotkut sanovat, että modernismi saavuttaa huipunsa abstraktin ekspressionismin kanssa Amerikassa toisen maailmansodan aikana. Jokainen liikkeen taiteilija yritti ilmaista yksilöllisyytensä ja tyylinsä etenkin kosketuksen kautta. "Joten saat Jackson Pollockin hänen tiputtamalla ja heittämällä maalia", Ho sanoo. ”Saat Mark Rothkon erittäin valoisilla, ohuesti maalattuilla väripalloillaan.” Ja toisin kuin näkyvästi sinisessä akateemisessa maalauksessa näkyvällä siveltimellä, Willem de Kooningin maalausten iskut ovat löysät ja joskus paksut. "Voit todella tuntea kuinka se tehtiin", Ho sanoo.
Pian toisen maailmansodan jälkeen taidetta ajavat ideat alkoivat kuitenkin jälleen muuttua. Postmodernismi vetää pois nykyaikaisesta keskittymisestä omaperäisyydelle ja teos on tahallisesti persoonaton. "Näet paljon työtä, joka käyttää mekaanisia tai lähes mekaanisia keinoja tai työkaluja", Ho sanoo. Esimerkiksi Andy Warhol käyttää silkkinäyttöä poistamalla käytännössä suoran kosketuksensa ja valitsemalla aiheet, jotka peittävät massatuotannon ajatuksen. Kun modernit taiteilijat, kuten Mark Rothko ja Barnett Newman, tekivät värivalinnat, joiden oli tarkoitus yhdistää katsojaan emotionaalisesti, postmodernit taiteilijat, kuten Robert Rauschenberg, tarjoavat mahdollisuuden prosessiin. Ho: n mukaan Rauschenburg osti maalin merkitsemättömissä tölkeissä rautakaupassa.
”Postmodernismi liittyy idean dekonstruointiin, ” olen taiteellinen nero, ja tarvitset minua ”, ” sanoo Ho. Taiteilijat, kuten Sol LeWitt ja Lawrence Weiner, joiden teokset ovat Hirshhornissa, väistyvät entisestään. Weinerin teos nimeltään ”KUMPALLAPALLA MERELLE, Cat. Esimerkiksi nro 146 ”, on esillä museossa isoilla, sinisillä, sans-serif-kirjaimilla. Mutta Weiner oli avoin seitsemälle sanalle, jotka voidaan tuottaa millä tahansa värillä, koosta tai kirjasimesta. "Olisimme voineet ottaa merkinnän ja kirjoittaa sen seinälle", Ho sanoo. Toisin sanoen Weiner piti taiteilijarooliaan enemmän suunnittelusta kuin tuotannosta. Samoin jotkut LeWittin 1960-luvun lopun piirustuksista ovat pohjimmiltaan ohjeita. Hän antaa ohjeita, mutta kuka tahansa teoriassa voi suorittaa ne. "Tässä sodanjälkeisessä sukupolvessa on tämä suuntaus tietyllä tavalla kohti demokratisoituvaa taidetta", Ho sanoo. "Kuten Sol LeWitt -piirustus, kukin voi tehdä tämän näkemyksen taiteesta."
Tarrat, kuten ”moderni” ja “postmoderni”, ja yrittävät määritellä kunkin ajanjakson alkamis- ja päättymispäivämäärät, joskus irk-taiteen historioitsijat ja kuraattorit. "Olen kuullut kaikenlaisia teorioita", Ho sanoo. ”Mielestäni totuus on, että nykyaikaa ei tapahtunut tiettynä ajankohtana. Juuri tämä asteittainen muutos tapahtui parin sadan vuoden aikana. ”Tietenkin kaksi kertaa, joille käytännöllisistä syistä on tarpeen asettaa päivämäärät, ovat taiteen historian kurssien opettaminen ja museoiden järjestäminen. Ho: n kokemuksen mukaan moderni taide alkaa tyypillisesti 1860-luvun lopulla, kun taas postmoderni ajanjakso juurtuu 1950-luvun lopulla.
Käsitettä ”nykyaikainen” ei liitetä historialliseen ajanjaksoon, samoin kuin modernia ja postmodernia, vaan sen sijaan kuvataan yksinkertaisesti nykyhetkemme taidetta. Tässä vaiheessa kuitenkin noin 1970-luvun teoksia pidetään nykyaikaisena. Tämän väistämätön ongelma on, että se tekee jatkuvasti laajenevasta nykyteoksen kokonaisuudesta, josta professorit ja kuraattorit ovat vastuussa. "Sinun on vain seurattava, kuinka nämä asiat sujuvat", Ho neuvoo. "Uskon, että he saavat uudelleen määritelmän."
