Mitä pienistä, omituisista museoista tekee niistä niin houkuttelevia? Ehkä se johtuu siitä, että ne voidaan jäljittää antiikista, jolloin kreikkalais-roomalaisissa temppeleissä olisi sekä ihmeellisiä teoksia että pakanallisia pyhäinjäännöksiä - Achilleuksen keihäs, Troyn sandaalin Helen tai "jättiläisten luut" (yleensä kivettyneet mammuttijäännökset). Keskiaikaiset katedraalit jatkoivat perinteitä: kilpikonnankuoret tai "griffin-munat" (tosiasiassa strutsien munat) voitaisiin sijoittaa pyhien jäännösten rinnalle. Renessanssin aikana Italian ruhtinaat alkoivat koota uteliaisuuskaappeja, eklektisiä näyttelyitä, joihin voi kuulua ihmisen tai luonnon luomuksia: egyptiläisiä muumioita, helmiä, klassisia veistoksia, hyönteisiä, jättiläismäisiä simpukankuoria tai "yksisarvisia sarvia" (useimmiten narvaleista). Italialainen keräysmaania levisi niin, että 1800-luvun loppuun mennessä varakkaissa kodeissa oli tuhansia yksityisiä gallerioita kaikkialla Euroopassa. Mahtavilla kiertomatkoillaan mantereella matkustajat voivat matkustaa upeasta olohuoneesta toiseen tutkimalla kauniita ja salaperäisiä esineitä.
Asiaan liittyvä sisältö
- Tony Perrottet aiheesta “Pieni ihme”
1800-luvun puoliväliin mennessä valtion rahoittamat laitokset, kuten Louvre, Brittiläinen museo ja Madridin Prado, olivat alkaneet hankkia näitä yksityisiä kokoelmia, joista monet olivat perineet perheenjäsenet, joilla ei ollut rahoitusta tai innostusta ylläpitää niitä. Huolimatta suurten museoiden taloudellisista eduista, pienet, esoteeriset museot ovat pitäneet kiinni. Itse asiassa Eurooppa on edelleen täynnä heitä, ja he indusoivat omistautumista, jota heidän suuremmilla kollegoillaan usein ei ole.
Monet näistä pienistä kokoelmista sijaitsevat edelleen omistajiensa alkuperäisissä koteissa ja heijastavat heidän persoonallisuuttaan. Useat heistä ylpeyttävät kokoelmista, joilla olisi ylpeys paikasta suurissa museoissa, mutta kotimaiset puitteet mahdollistavat läheisyyden tunteen, jota on vaikea löytää laajoista gallerioista. Ja ominaispiirteistään huolimatta nämä talomuseot tarjoavat usein harvinaisen esityksen kaupungin historiaan ja luontoon. Tässä on neljä suosikkia:
Lontoo
Sir John Soane's Museum
Oli kostea lontoolainen ilta, kun ylitin Lincolnin Inn Fieldsin suuren, lehtisen neliön kohti tyylikästä rivin dunvärisiä Georgian kaupunkitaloja. Tarkemmassa tarkastelussa nro 13 julkisivu ilmoitti, että se ei ole tavallinen talo: kermaisen Portland-kiveen italialaiseen loggiaan tai verantaan kiinnitettyinä oli neljä goottilaista alustaa, kun taas pari antiikin Kreikan karjaattien jäljennöksiä oli asennettu yläpuolelle. Mutta nämä kukoistukset vihjasivat vain ihmeelliseen maailmaan, joka sijaitsee Sir John Soanen (1753-1837), joka on yksi Ison-Britannian tunnetuimpia arkkitehtejä ja ahkeraa keräilijää, entisessä kodissa. Soane ei muuttanut talostaan vain ylenmääräistä yksityistä museota, vaan myös edellyttäen, että mitään ei voida muuttaa hänen kuolemansa jälkeen. Seurauksena on, että Sir John Soane -museo voi olla kaupungin eksentrisin kohde, joka loistaa eksentrisillä nähtävyyksillä. Vieraillessasi sinusta tuntuu, että Soane itse voi astua milloin tahansa keskustelemaan klassikoista brandyn kanssa. Kokemuksen läheisyyden säilyttämiseksi vain 50 kävijää saa tulla kerrallaan. Ja menneisyyden ajan herättäminen on entistä voimakkaampaa, jos vierailet - kuten minäkin - kuukauden ensimmäisenä tiistaina illalla, kun museo valaisee melkein kokonaan kynttilöitä.
Kun soitin soittokelloa, mahtava puinen ovi aukesi paljastamaan harmaan tukkaisen herrasmiehen, joka olisi voinut olla Soanen Butler. Kun allekirjoitin vieraskirjaa, hoitaja fussasi takkini ja sateenvarjoani päälle ottaen heidät säilyttämistä varten. Sitten minut ohjattiin Pompeian punaiseen tilaan.
"Toivottavasti nautit talosta", hoitaja kuiskasi.
Jokaisessa pöydässä ja mantelissa kynttilät loivat lasisylintereissä. Kun polvistuin varovasti käytävältä, silmäni sopeutuivat valoon ja aloin tehdä esineitä ja huonekaluja koskevia järjestelyjä, jotka ovat tuskin muuttuneet 170 vuodessa. Talo on monimutkaisesti suunniteltu labyrintti, joka on täynnä taidetta: klassisia rintakuvia, pylväskappaleita ja kreikkalaisia friisejä, kiinalaisia maljakoita sekä kreikkalaisten ja roomalaisten jumalien patsaita, mukaan lukien kuuluisa Apollo Belvedere -teos . Vain tuumaa seinätilaa on hukkaan mennyt, mutta vaikutus ei ole kuitenkaan klaustrofobinen: kaarit ja kupolit nousevat ylöspäin, kuperat peilit tarjoavat laajat näkymät ja parvekkeet haukottelevat sisäpihojen yli. Kuten kaikki kunnolliset uteliaisuuskaapit, näyttelyihin sisältyy myös sellaisia omituisuuksia kuin "suuri sieni Sumatran saaren kallioista" (kuten Soane kuvaili sitä omassa 1835-luettelossaan) ja omaperäisen näköinen tuhkapuun haara. Salaisuuden tunnetta lisäämällä ja Soanen toiveiden mukaisesti missään esineessä ei ole etikettejä, vaikka joitain tietoja tarjotaan nyt kädessä pidettävistä puisista "lepakoista", jotka istuvat huomaamattomasti jokaisessa huoneessa olevissa pöydissä.
"Ihmiset todella vastaavat kynttiläiltoihin", sanoo museon johtaja Tim Knox. Itse asiassa vartijat, kuten museon vartijoita kutsutaan, ovat alkaneet sammuttaa valot päivänvalossa, hän sanoo minulle "parantaakseen ajanjakson tunnelmaa. Puolivalo saa ihmiset todella katsomaan näyttelyitä".
Soane oli Ison-Britannian johtava arkkitehti lähes viisi vuosikymmentä, ja hänen lukuisat toimeksiannonsa ovat ympäri Lontooa - Dulwichin kuvagalleria; kuninkaallinen sairaala, Chelsea; Pitzhangerin kartano. (Jopa Ison-Britannian ikoniset punaiset puhelinkopit olivat inspiroituneita Soaneen suunnittelusta hänen vaimonsa haudalle St. Pancras Gardensissa.) Mutta se oli omassa kodissaan - suunniteltu korostamaan sitä, mitä Soane kutsui "mielikuvituksellisiksi vaikutuksiksi, jotka muodostavat arkkitehtuurin runon" - Hänen luovuutensa saivat vapaimman hallinnan. Vuosina 1792–1824 Soane osti, purki ja rakensi uudelleen kolme kaupunkitaloa neliön varrella, alkaen numerosta 12 ja siirtymällä numeroon 13 ja 14. Alun perin he olivat kotona itselleen, vaimonsa ja heidän kaksi poikaansa, mutta alkavat vuonna 1806, kun hänet nimitettiin kuninkaallisen akatemian arkkitehtuuriprofessoriksi, hän alkoi käyttää niitä esittelemään arkkitehtuurisuunnitelmiaan ja mallejaan. Ajan myötä hänen kasvavasta antiikkikokoelmastaan tuli entistä tärkeämpi, ja loputtomalla kekseliäisyydellä hän suunnitteli sisustuksensa uudelleen esittelemään esineitä täysimääräisesti.
Esineet sijoitettiin siten, että jokainen käännös tarjoaa löytöjä. Minuutin kanssa kohtaat upean roomalaisesta marmoripatsaasta Efesoksen Diana. Seuraavaksi astut kuvahuoneeseen, joka on vuorattu maalauksilla, kuten Hogarthin Rake's Progress, kahdeksan kuvan sarja, joka kuvaa hedonistisen nuoren aristokraatin taantumista. Vasta varhaisessa vaiheessa, kun olet ihaillut joukkoa Piranesi-piirroksia Rooman raunioista, kuin varmentaja avaa seinässä paneelin paljastamaan ryhmän maalauksia, jotka on suunnitellut Soane-valmistelija Joseph Michael Gandy. Harmaan temppelin vahtimestari Peter Collins urheilee neilikkaa hihoissaan ja punaista nenäliinaa ylätaskussa. Hän on työskennellyt museossa kymmenen vuotta ja tuntee yleisönsä. Hän keskeyttää vaikutelmansa ennen kuin avaa vielä uuden paneelin, tällä kertaa paljastaen parvekkeen, joka näkyy keskiaikaisessa kokoelmassa - nimeltään Monk's Par-lour -, täynnä goottilaisia katkelmia ja grimasivia gargoyleja. Läheisessä alkovassa paljainrintainen pronssinen nymfi poseeraa viehättävästi silmien korkeudella Soanen vaikuttavimman arkkitehtonisen saavutuksen, Englannin keskuspankin, mittakaavan mallin yläpuolella. (Pankki, jonka parissa hän työskenteli 45 vuotta, purettiin 1920-luvulla vanhentuneena - liike, jota monet arkkitehtihistorioitsijat pitävät kaupana.)
Kokoelman kohokohta löytyy kellarista, jossa hautajaiskuntatarkastus ryntää egyptiläisen faaraon Seti I: n - Soane'n ylpeyden ja iloksen alabasterin sarkofagin ympärille - ostettiin vuonna 1824 hintaan 2000 puntaa (nykyään noin 263 000 dollaria) italialaiselta seikkailijalta Giovanni Belzonilta. . Vuonna 1825 Soane piti sarjan kynttilänvalossa "sarkofagi-juhlia" juhliakseen saapumistaan. Sosiaalisiin ylimääräisiin juhlallisuuksiin osallistui muun muassa Sussexin herttua, Lontoon piispa, runoilija Samuel Coleridges ja maisemamaalari JMW Turner. Vieras Barbara Hofland kirjoittaa, että tapahtumassa hahmot nousivat kuin "syvien varjojen joukosta" tulevat haamut ja kynttilät loistivat "kuin kiiltävät halot pyöreät marmoripäät", luomalla efektin "kuin unessa runoilijan elysiumista".
Museon monien patsaiden joukosta on helppo hukata Soane -elokuvan 1829 rintakuva ensimmäisessä kerroksessa, joka on sijoitettu Michelangelon ja Raphaelin patsaan yläpuolelle. Muurarin poika Soane nousi nöyrästä alkuperästä; luonnostelutaidoistaan hän voitti stipendin kiertueelle Eurooppaan, mikä antoi hänelle mahdollisuuden vierailla Italiassa ja kehittää intohimoa kreikkalais-roomalaiseen taiteeseen. Kun hän kuoli 83-vuotiaana kypsässä iässä, Soane oli yksi Ison-Britannian merkittävimmistä henkilöistä, kuten Hofland kirjoitti sarkofagin puolueen vieraista, mies, joka näennäisesti "vapautui elämän yleisistä pahoista asioista, mutta oli hereillä kaikille sen anteliaille tunneille" ."
Tätä iloista vaikutelmaa vahvistaa perheen Gandy-piirros vuonna 1798: Soane ja hänen vaimonsa Elizabeth syövät voitettua rullia, kun taas heidän kaksi nuorta poikaansa, John ja George, scamper lähellä. Tietenkin, Soane ei ollut immuuni kohtalon epämääräisyyksille kuin me muut. Hänen rakkaimpana tavoitteensa oli ollut löytää "arkkitehtien dynastia" poikiensa välityksellä, mutta John joutui kulutukseen 30-vuotiaana ja George kasvoi suureksi rakeiksi, hoitaen valtavia velkoja ja julkaissut jopa nimettömiä hyökkäyksiä isänsä arkkitehtuuriin. . Myöskään Soane ei ehkä ole helpoin isä. "Hän voi olla erittäin viehättävä mies", sanoo museon arkistojohtaja Susan Palmer, "mutta hän oli myös erittäin ajettu, erittäin koskettava ja mielialainen. Hänellä oli todellinen siru olkapäällään hänen huonosta alkuperästään."
Pelkääessään, että George myi kokoelmansa kuollessaan, Soane huolehti sen jatkamisesta hänen testamentissaan ja pystyi turvaamaan parlamentin säädöksen vuonna 1833 varmistaakseen, että hänen kotinsa pysyy, kuten hän kirjoitti, "amatööreille ja opiskelijoille" Maalaus, kuvanveisto ja arkkitehtuuri. " Seurauksena on, että Soane-museo johtaa tähän päivään Soane-säätiön toimesta, vaikka 1940-luvulla Ison-Britannian hallitus vastasi ylläpitokustannuksista pitääkseen sen yleisön vapaana, kuten se on ollut Soane'n kuoleman jälkeen vuonna 1837. " Kiitos hyvyydestä. Herra Soane ei päässyt nuoren Georgen kanssa eteenpäin ", yksi päälliköistä havaitsi nauraen. "Olin poissa työstä!"
Sekoitin alakertaan puolivalon läpi, otin takaisin takkini ja sateenvarjoi ja suuntasin nurkan takana olevaan 1500-luvun pubilautoon. Kun kaivoin paimenen piirakkaan, muistin toisen sarkofagin osapuolen vieraan Benjamin Robert Haydonin sanat: "Oli hienoin hauskaa, jota kuvittelin nähdä, että ihmiset tulevat kirjastoon vaeltaessaan alla, haudoissa ja pääkaupungeissa, ja akseleissa, ja nenättömät päät, jolla on eräänlainen ilmaus iloisesta helpotuksesta löytää itsensä jälleen elävien joukosta, kahvin ja kakun kanssa. "
Pariisi
Musée Jacquemart-André
Pariisin alueella on kymmeniä pieniä museoita, ja heidän omistautuneimmat suojelijansa ovat itse pariisilaiset. Joillakin on merkittäviä kokoelmia, kuten Musée Carnavalet, joka on erikoistunut kaupungin dramaattiseen historiaan ja esittelee sellaisia esineitä kuin Maratin rintakuva, Bastille-malli ja Marie Antoinetten hiuslukot. Toiset ovat ranskalaisten pyhitettyjen taiteilijoiden ja kirjailijoiden entisiä asuntoja - Delacroixin studio, Victor Hugon asunto ja vetovoimaisesti alhaalla olevat kantapäät Maison Balzac, jonka maineikkain näyttely on tekijän monogrammittu kahvipuna.
Mutta mikään ei inspiroi sellaista uskollisuutta kuin Jacquemart-André.
Jos Sir John Soanen museo tislaa Lontoon eksentrisen nerouden, Musée Jacquemart-André on le bon goûtin korkeus, hyvä maku. Se oli enemmän kartanomuseo kuin talomuseo, mutta siitä huolimatta kotona toimijoille Édouard André ja hänen vaimonsa Nélie Jacquemart, upeaan varakas pari, joka rakensi 1880-luvulla 1990-luvulla omaa itsenäistä taiteen ja kauneuden maailmaa Boulevard Haussmann -kadulle. - muodikas katu oikealla rannalla, lähellä Champs-Élyséesiä - täynnä mestariteoksia, joita Louvren kuraattorit ovat epäilemättä halunneet tänäkin päivänä.
Ensi silmäyksellä museo ei voinut olla erilainen Soane'sta. Värillä täynnä, se säteilee ylellisen avaruuden tunteen. Mutta vähintäänkin Soane's, se vie vierailijat takaisin toiseen aikakauteen - tässä tapauksessa La Belle Époquen Pariisiin, kun kaupunki kukoisti Euroopan eleganssin pääkaupungiksi, ja vielä aikaisempaan kultakauteen Louis XV ja Louis XVI.
Pian askel vanhasta vaunujen ajotieltä muodolliselle pihalle on kuin Pariisin liikenteen ääni häviää. Nousevilla laajoilla kivivaiheilla, joita veistävät leijonat, tuntuu etuoikeus, kuten vieras, joka on kutsuttu yksityiseen juhlaan. Sisällä toista kohtaa mestarin, Édouard André, kolmen neljäsosan mittainen muotokuva - hieno hahmo Napoleon III: n alaisessa Imperiumin vartalon yhtenäisessä muodossa, täydellisenä kultaesineineen ja scarlet-polkuineen. Hoidettu gardienne vie vieraat kuvagalleriaan, jossa viettely jatkuu. André oli intohimoinen 1700-luvun ranskalaiseen taiteeseen, jota nosti hänen nostalgia ennen vallankumousta edeltäviä päiviä, ja ensimmäinen kerros on omistettu sille. Kullatulla kehyksellä kankaat, lempeät jumalattaret leijuvat alasti pilvissä ja ruusuiset ruusuiset lapset poseeraa lintujen ja kissanpentujen kanssa. Vierailija siirtyy kullatusta Grand Salongista huiman huippulaadun musiikkitilaan, jossa muodollisesti vieraat vieraat kerran kokoontuivat konsertteihin, sitten eksoottisia kasveja täytetylle lasikattoiseen talvipuutarhaan ja hohtavalle marmorille, jossa ekstravagantit kaksinkertaiset portaat kiertävät kohti toinen kerros.
Ja niin talo avautuu tarjoamalla yksi häikäisevä galleria toisensa jälkeen. Kirjastossa, jossa Édouard ja Nélie pitivät tavaroiden luetteloita ja piirttivät ostoksia, asuu heidän maailmanluokan joukko hollantilaisia maalauksia, mukaan lukien kolme Rembrandtia ja kolme Van Dyckiä. Japanilainen keramiikka ja persialaiset antiikkiesineet elävöittävät tupakointitilaa, jossa Édouard jää eläkkeelle miehikavereidensa kanssa illallisen jälkeen polttamaan sikareita ja keskustella päivän aiheista, kun taas liiketapaamisiin käytettävä tapettihuone on vuorattu kohtauksia Venäjän talonpojan elämästä Beauvais-teipitehdas vuonna 1767. Kun kiivetä toiseen kerrokseen, leikkisä Tiepolo-fresko portaikon seinällä kuvaa Henry III: n saapumista Venetsiaan. Ylätaso on omistettu pariskunnan "Italian museolle" - yhdelle huoneelle renessanssin veistoksille, toiselle Firenzen taiteelle, mukaan lukien kaksi Botticellin maalausta, ja kolmanteen huoneen Andrén rakastetuille kokoelmille Venetsian taidetta.
Arkkitehti Henri Parentin Andrélle suunnittelema kartano valmistui vuonna 1875, jolloin Boulevard Haussmann oli yksi Pariisin tyylikkäistä uusista osoitteista ja André oli yksi kaupungin kelpoisimmista poikamiesistä. Valtavan pankkiseurakunnan perillinen, hän oli pettynyt julkiseen elämään ja päätti omistautua taiteen keräämiseen ja kuvataiteen lehden julkaisemiseen. Vuonna 1881, kun hän oli lähes 50-vuotias, hän meni naimisiin Nélie Jacquemartin kanssa, naisen kanssa, joka oli maalannut hänen muotokuvansa yhdeksän vuotta aikaisemmin. Monella tavalla hän oli epätodennäköinen ottelu tälle aristokraattiselle bulvarille. Lähes 40 itseään, Jacquemart ei ollut korkean yhteiskunnan belle. Hän oli itsenäinen nainen nöyrältä taustalta - ilmeisesti laiton -, joka oli tukenut itseään muotokuvataiteilijaksi, mikä oli tuolloin naiselle melko epätavallinen saavutus.
Se oli avioliitto, joka perustui yhteiseen makuun. Pariskunnan 13 vuoden aikana he matkustivat osan vuodesta, useimmiten Italiaan, missä he osallistuivat huutokauppoihin Louvren asiantuntijoiden avulla, jotka olivat motivoituneita voittamaan taidetta Ranskaan. Kun Édouard kuoli vuonna 1894, 61-vuotiaana, Nélie jatkoi matkustamista ympäri maailmaa ja meni Burmaan ostoksiinsa asti. Hänen kuollessaan 71 vuotta 1912 hän lahjoitti talon Institut de Francelle (akateemiselle järjestölle, joka hallinnoi säätiöitä ja museoita) sillä ehdolla, että kokoelma pysyy ennallaan, jotta ranskalainen yleisö näkee sen, hän sanoi haluavansa, "jossa pari amatööriharrastajaa nautti elämästä nautinnon ja ylellisyyden."
Itse asiassa on valtava ilo, että saamme nähdä parin maalaukset ja veistokset sekoittuneina heidän esineidensä kanssa ja hienot huonekalut kotimaisessa ympäristössä. Jonkin ajan kuluttua jopa hienoin maku voi olla hiukan ylenmääräinen. Vierailijat eivät voi auttaa, mutta puhuvat hiljaisilla sävyillä, jotta ne eivät häiritse hienoa tasapainoa.
Mutta kartano harkitsee runsasta elämää ruokasalissa - alkuperäisen kartanon entisessä sydämessä -, joka on muutettu yhdeksi Pariisin ylellisimmistä kahvila-ravintoloista. Tässä ilmavassa kammiossa, jossa pari viihdytti ystäviä runsaiden kuvakudosten alla, voi nyt nauttia salate nicoisea ja lasillista sauvignon blancia. Täällä on outo tunne, että niitä katsotaan, ei vain muiden ruokailijoiden keskuudessa: katto on ihmeellinen vitsi, toinen Tiepolo-fresko - tämä kuvaa venäläisten aatelisjoukkojen nojaamista kaiteelle, osoittaen ja hymyillen alla oleville ruokailijoille.
Tyynykaralla on Nélie Jacquemartin rintakuva. Hän ei useinkaan ole sopeutunut kaupungin muodikkaaseen joukkoon - myöhemmin elämässään hän siirtyi eläkkeelle maaseutumaailmaansa, Chaaliksen, nykyiseen toiseen suureen talomuseoon, joka sijaitsee 30 mailin päässä kaupungin ulkopuolelta -, mutta hän varmasti oli kovaa ylpeyttä kokoelmastaan, ja kuvittelee hänen edelleen lepäävänsä sen luomassa iloissa.
Madrid
Sorolon museo
Madrid on ekstravaganttisten julkisivujen kaupunki, jonka todelliset nähtävyydet sijaitsevat suljettujen ovien takana. Piilotettu kivimuurin ulkopuolelle entisessä työväenluokan Chamberí-alueella, kymmenen minuutin taksimatkan päässä Plaza Mayorin vilskestä Madridin keskustassa, sijaitsee aurinkoinen Museo Sorolla. Espanjan yhden rakastetuimpien maalareiden, Joaquín Sorolla y Bastidan, entinen koti- ja taidestudio on mehukas puutarha, jossa on urheilevia suihkulähteitä ja ylenmääräisiä kukkia, Välimeren värin räjähdys ja joie de vivre .
Vuodesta 1911 vuoteen 1923 tämä Andalusian-tyylisessä talossa oli yksi maailman tunnetuimmista taiteilijoista. Valenciassa vuonna 1863 syntyneelle nöyrälle perheelle Sorolla piti etäisyyden Euroopan avantgarde-liikkeistä, mutta voitti kansainvälisen maineen hienostuneesta tekniikastaan, aiheuttaen auringonpaistetta Välimeren rantojen kohtauksissa ja kuvia Espanjan arjesta.
Askel yhdisteen vietteleviin rajoihin, joissa Sorolla asui vaimonsa ja kolmen lapsensa kanssa, on kuin meneminen taiteilijan valaiseviin maalauksiin. Maurien kukoistaa, rauhallinen uima-altaat ja jatkuvasti virtaavan veden ääni, puutarha oli paikka, johon hän rakasti maalata. Vieraillessani Sorollan yksityinen Arcadia oli täynnä innokkaita taideopiskelijoita, jotka kokeilivat akvarelleja varjoisissa nurkissa. Laatoitetut askelmat johtavat taloon, jonka ensimmäisissä huoneissa on esillä hänen töitään, aivan kuten ne tekivät 80 vuotta sitten potentiaalisille ostajille. Kodin asuintilat sisältävät perheen alkuperäiset jugend-huonekalut ja Tiffany-valaisimet. Mutta talon emotionaalinen ydin on Sorollan studio, iso holvattu huone, joka on maalattu ruusunpunaiseksi ja sopii auringonpaisteeseen. Sorollan molbertit ovat valmiina, ikään kuin hän olisi juuri lähtenyt siestalle; hänen palelet, harjat ja puoliksi käytetyt maaliputket ovat lähellä. Huoneen yhden kulman vieressä on pieni turkkilainen sänky ja kirja 1500-luvun kappaleista istuu auki jalustalla. Piirustus Sorolla, joka on tehty Velázquezin kuuluisasta muotokuva paavi Innocent X: stä, johtaa kaikkia.
Sorolla muutti taloon, jonka hän oli rakentanut vuonna 1911 uransa huipulla. Siihen mennessä hän oli esitellyt teoksensa Lontoosta St. Louisiin, Missouriin, ja hänelle oli annettu kansainvälisiä palkintoja, ystävystyneet intellektuellit ja taiteilijat, mukaan lukien John Singer Sargent, maalasivat Espanjan kuninkaan Alfonso XIII: n ja Yhdysvaltain presidentin William Howard Taftin muotokuvan ja Rautatien omaisuuden perillisen Archer Huntingtonin suojelijaksi oli annettu tehtäväksi maalata laaja seinämaalaus Amerikan latinalaisamerikkalaisessa seurassa New Yorkissa.
Hänen kuoltuaan 60 vuotta 1923, Sorollan kansainvälinen maine kärsi, varjoakseen jälkimpressionistien, kuten Cézanne ja Gauguin, työstä. Kuten hänen ystävänsä Sargent, monet kriitikot päättivät, että Sorolla oli liian konservatiivinen ja kaupallinen. Mutta Madridissa Sorollan taiteellista asemaa ei ole koskaan horjuttu, ja siitä lähtien, kun leski ja poika avasivat sen vuonna 1931, Museo Sorolla, joka on myös maailman laajin kokoelma hänen teoksiaan, on nauttinut tasaisesta pyhiinvaeltajien virrasta. Nykyään heidän uskoaan ei käytetä; Kriitikot arvioivat Sorollaa uudelleen, ja ne tarjoavat hänelle sillan espanjalaisten vanhojen mestareiden, kuten Velázquezin ja Goyan, sekä jälkimpressionistien välille. Vuonna 2006 Madridin arvostetussa Thyssen-Bornemiszan museossa isännöitiin "Sargent / Sorolla" -näyttelyä, joka seurasi parin samanaikaista uraa.
Sorolon museossa, kuten kaikissa talomuseoissa, tunkeutuu melankolian sointu: oppimme, että taiteilija maalasi muotokuva rakastetussa puutarhassaan vuonna 1920, kun hän 57-vuotiaana kärsi aivohalvauksen. Vaikka hän asui vielä kolme vuotta, hän tuotti vähän uutta työtä. Mutta sellaiset synkkät meditaatiot eivät sovi taloon tai modernin Madridin sensuelliseen henkeen. Paras ratkaisu - kuten Sorolla itse todennäköisesti olisi sopinut - on suunnata lähellä olevaan kahvilaan siemailla lasillinen vino blancoa ja paistatella Espanjan auringossa.
Praha
Musta Madonna -talo: Tšekin kubismimuseo
Kahden maailmansodan suojaamaton Prahan sydän tuntuu vanhan Euroopan fantasialta. Goottilaiset tornit kehystävät jugend-kahviloita, ja keskiaikaisella tähtitieteellisellä kellolla, Franz Kafkan lapsuuskodin vieressä Vanhankaupungin torilla, kuoleman patsas veti edelleen kellon johdon iskeäkseen tuntiin. Mutta jos käännät alas barokin, Celetna-nimisen kadun, kohtaat kaupungin hyvin erilaisen näkökohdan - terävän ja yllättävän Black Madonna -talon, joka on yksi maailman ensimmäisistä kubistisista rakennuksista ja on tänään Tšekin kubismimuseon koti. Prahan arkkitehdin Josef Gocarin suunnittelema talo oli järkyttävän moderni, jopa vallankumouksellinen, kun se avattiin tavaratalona vuonna 1912 - ja näyttää siltä tänäkin päivänä. Kokonaismuoto on sopivasti laatikkomainen ja ennustettavasti tiukka, mutta tarkemmassa tarkastelussa julkisivu hajotetaan keksinnöllisesti kulmien ja tasojen avulla. Suuret erkkeriikkunat työntyvät kuin kvartsikiteitä, ja kulmakoriste heijastaa hienovaraisia varjoja. Sisustus ei ole yhtä epätavallinen, sillä kaupungin ensimmäisessä käytössä on teräsbetoni, joka mahdollistaa runsas avoimen tilan rakentamisen. Talon omaperäinen nimi on peräisin Mustan Madonnan ja Lapsen 1700-luvun patsaasta, joka pelastettiin rakennuksen aikaisemmasta rakenteesta ja joka on nyt kyydissä kuin hahmo rakennuksen yhdessä nurkassa.
Mutta edes madonna ei voinut suojata taloa Tšekin historian epämääräisiltä seikoilta. Toisen maailmansodan ja kommunistien vallan nousun jälkeen tavaratalo vähitellen katkaistiin ja jaettiin toimistotilaksi. Kun vuoden 1989 velvet-vallankumous lopetti kommunistisen hallinnon, rakennuksella oli lyhyt elämä kulttuurikeskuksena, mutta vasta vuonna 2003 se löysi loogisen roolinsa Prahan kankaassa - pyhäkkönä Tšekin kubismille.
Useimmat meistä ajattelevat kubismia esoteerisena avantgarde-liikkeenä, jota pariisilaiset taiteilijat Pablo Picasso, Georges Braque ja muut olivat edistäneet ennen ensimmäistä maailmansotaa. Mutta liike levisi ympäri Eurooppaa ja oli omaksunut myös Venäjän ja Itä-Euroopan pääkaupungeissa - mihinkään innokkaammin kuin Prahassa, jossa kubismi tarttui mahdollisuuteen avaimeen tulevaisuuteen, jos vain hehkuva hetki.
"Pariisissa kubismi vaikutti vain maalaamiseen ja kuvanveistoon", sanoo Tomas Vlcek, Tšekin kubismismuseoa valvovan maan kansallistaiteen gallerian modernin ja nykytaiteen kokoelman johtaja. "Ainoastaan Prahassa kubismi sopeutettiin kaikkiin muihin visuaalisen taiteen aloihin - huonekaluihin, keramiikkaan, arkkitehtuuriin, graafiseen suunnitteluun, valokuvaukseen. Kuubismi Prahassa oli siis suuri kokeilu, etsintä kaiken kattavasta modernista tyylistä, joka voisi olla erottuva czech."
Tšekkiläisten kubistien - pääasiassa Gocarin, Otto Gutfreundin ja Bohumil Kubistan - sarjakuva tuli ensin yhteen vuonna 1911 perustamalla Artistic Monthly -lehteä ja järjestämällä omia näyttelyitä ennen ensimmäistä maailmansotaa. Se oli voimakkaan optimismin ja energian aikaa Praha. Tämä pieni Itä-Euroopan metropoli, yksi Itä-Unkarin imperiumin rikkaimmista, veti eloisat Tšekin, Saksan ja Juutalaisten perinteet luovaan räjähdykseen. Ulkomailta taiteilijat palasivat Pariisista ja Wienistä jakamaan radikaaleja uusia ideoita salonkeissa; Kafka kirjoitti ensimmäisiä painajaisia tarinoitaan; Albert Einstein luennoi kaupungissa professorina. "Se oli jotain paratiisia", Vlcek sanoo kiusallisena.
Tšekin kubismimuseo on nykyään pyhäkkö liikkeen kukoistuspäivään (1910-19), ja itse rakennus on tärkein näyttely. Sisäänkäynti on takoraudan kulma-tutkimus. Sisältä nousee heti kubistisen suunnittelun portaikkoon. Toisin kuin Marcel Duchampin portaita laskevassa alastomuksessa olevissa portaissa, portaat ovat onneksi tasaiset, mutta metallinen kaide on monimutkainen geometristen muotojen vuorovaikutus. Cubist-näyttelyitä on kolme kerrosta, jotka on täynnä Prahan ainutlaatuisia taidemuotoja. Tyylikkäät sohvat, peilipöydät ja lepotuoleja jakavat dramaattisesti vinossa linjoissa. Siellä on abstrakteja veistoksia ja maalauksia, lihavoitua, siksak-kuvaavaa grafiikkaa ja cockeyed maljakoita, peilejä ja hedelmäkuppeja.
Vaikka tämä ei välttämättä ole tiukasti talomuseo, sillä on kotimainen tunnelma. Keulahahmojen ja ruskeissa solmimattomien epäselvien taiteilijoiden lukuisat mustavalkoiset muotokuvat paljastavat kukoistavan, boheemisen hahmojen näyttelmän: opimme, että yksi sohva on "suunniteltu näyttelijä Otto Boleskalle", toinen professori Fr. Zaviskalle. " Se, mikä kuulostaa Woody Alleni-parodiosta kulttuurisesta itsestään imeytymisestä, vangitsee itseisen Prahan omaperäisen luonteen, kaupungin, joka ylpeilee kaareimmassa historiassaan. Ja kuten kaikki pienet museot, jotka ovat yhteydessä niiden alkuperään, ainutlaatuiset piirteet ovat tuoneet aaveet paljon takaisin elämään. Vierailijat voivat nyt jäädä eläkkeelle rakennuksen alkuperäiseen kubistiseen ruokapaikkaan, Grand Café Orientiin, jonka on suunnitellut Gocar vuonna 1912. Tämän kerran suositun taiteilijoiden hangout suljettiin 1920-luvulla ja purettiin kommunistisen aikakauden aikana, mutta huolelliset tutkijat käyttivät muutamia säilyneitä suunnitelmia ja valokuvat sen luomiseksi. Nyt, kahdeksan vuosikymmenen tauon jälkeen, uusi boheemien sukupolvi voi asettua kubististen kattokruunujen alla kuubalaisissa tuolissa (ei niin epämiellyttäviltä kuin miltä ne kuulostavat) väittääkseen politiikkaa pint pastöroimattoman Pilsenerin kanssa. Lopuksi, ensimmäisessä kerroksessa museokauppa on uudelleen luonut valikoiman kubistisia kahvikuppeja, maljakoita ja teesarjoja arkkitehti ja taiteilija Pavel Janakin alkuperäissuunnitelmista, ja tarjoaa Gocarin ja muiden kubististen huonekalujen kopioita.
Kaikkien näihin näkökulmiin upotetun iltapäivän jälkeen aloin huomata hienovaraisia kubistisia jälkiä Prahan kadujen arkkitehtonisessa runsaudensarviossa - esimerkiksi entisen ammattiliiton pääkonttorin oviaukossa ja tyylikkäässä kaaressa, joka kehystää kirkon vieressä olevan barokkiveistoksen. . Inspiroituna päätin jäljittää kuulemasi kubistisen lamppupostin, jonka oli suunnitellut yksi Emil Kralicek vuonna 1913. Kesti vähän painia tšekkiläisillä kadunimillä, mutta löysin sen vihdoin New Townin takakuulta: se näytti päältä asetetusta kiteestä.
Voisin kuvitella, että Sir John Soane - kuljetettu nykyaikaiseen Prahaan - pysähtyi ennen sitä tyhjentyneessä ihailussa.
Tony Perrottetin viimeisin kirja, Napoleon's Privates, kokoelma eksentrisiä tarinoita historiasta, on tässä kuussa julkaistu HarperCollinsista.
